«Comment triompher comme une fille» est le poème d’ouverture du quatrième livre de poèmes d’Ada Limón, «Bright Dead Things». Il a remporté le prix Pushcart 2015, un prestigieux prix de poésie américain. Le poème est bref, direct et parfois drôle car il explore les questions du féminisme et de la confiance en soi en utilisant les «dames chevaux» qui courent la veille du Kentucky Derby comme métaphores du pouvoir féminin. Il est emblématique du travail d’Ada Limón qui utilise à plusieurs reprises les animaux et l’imagerie animale pour explorer les sentiments humains. Limón est un excellent exemple d’écrivaine écoféministe, qui explore les liens entre les êtres humains, en particulier les femmes, et la nature et cherche à défendre la valeur de tous les êtres vivants. Les autres poèmes de Limón explorent ce que signifie être un Américain d’origine mexicaine, les liens avec sa famille et les façons dont nous recherchons, trouvons et exprimons l’amour.
Reflétant sa fascination de toujours pour l’exploration de moments déchirants d’une intensité émotionnelle extrême, le poème 937 d’Emily Dickinson (« I Felt a Cleaving in My Mind ») capture le sentiment d’impuissance alors que l’esprit lutte pour prendre conscience après un tel moment. Publié en 1890 dans le cadre du premier recueil posthume de sa poésie (Dickinson a rarement poursuivi la publication de ses vers excentriques et idiosyncratiques de son vivant), le poème 937 enregistre le moment de désorientation immédiatement après qu’une intensité émotionnelle inattendue et imprévue a décimé la capacité du cerveau à comprendre l’implication d’un tel impact. Comme beaucoup de vers de Dickinson, le poème expose la vanité de l’explication, les insuffisances de la perspicacité et la pure ironie de la prétention de l’intellect à contrôler le jeu antique du cœur. Parce que la biographie de Dickinson occupe une place si importante au-dessus de son travail et parce qu’elle en est venue à être cataloguée comme la grande recluse américaine, perpétuellement déprimée, en phase terminale de mélancolie, toujours à la limite de l’effondrement de la santé mentale, le poème 937 a souvent été lu comme la chronique d’une panne de santé mentale ou la lutte de l’intellect pour accepter la mort ou la douleur de la solitude. Cependant, le texte lui-même s’ouvre sur un horizon interprétatif beaucoup plus large et plus lumineux : le poème parle autant de vivre la joie d’un lever de soleil époustouflant que de comprendre l’inévitabilité de la mortalité, autant du moment somptueux de tomber amoureux que luttant pour survivre à l’agonie de la séparation. toujours à la limite de l’effondrement de la santé mentale, le poème 937 a souvent été lu comme la chronique d’une panne de santé mentale ou de la lutte de l’intellect pour accepter la mort ou la douleur de la solitude. Cependant, le texte lui-même s’ouvre sur un horizon interprétatif beaucoup plus large et plus lumineux : le poème parle autant de vivre la joie d’un lever de soleil époustouflant que de comprendre l’inévitabilité de la mortalité, autant du moment somptueux de tomber amoureux que luttant pour survivre à l’agonie de la séparation. toujours à la limite de l’effondrement de la santé mentale, le poème 937 a souvent été lu comme la chronique d’une panne de santé mentale ou de la lutte de l’intellect pour accepter la mort ou la douleur de la solitude. Cependant, le texte lui-même s’ouvre sur un horizon interprétatif beaucoup plus large et plus lumineux : le poème parle autant de vivre la joie d’un lever de soleil époustouflant que de comprendre l’inévitabilité de la mortalité, autant du moment somptueux de tomber amoureux que luttant pour survivre à l’agonie de la séparation.
Publié en avril 1913 dans la revue littéraire «Poésie», «Dans une station de métro» est un poème imagiste. Dans ce document, Pound décrit un seul moment dans un métro parisien souterrain en 1912. Le poème est considéré comme le premier haïku en anglais malgré l’absence de la forme traditionnelle de haïku à trois lignes et 17 syllabes. Le poème se compose de seulement 14 mots. Pound utilise une équation plutôt qu’une description pour placer les visages des passants dans le poème. Le poème est considéré comme un texte imagiste par excellence et est souvent célébré et étudié en raison de sa brièveté et de sa structure compacte. En 1917, le poème parut dans le recueil de Pound «Lustra». En 1926, il réapparut dans une version anthologisée de cet ouvrage intitulée « The Collected Poems of Ezra Pound ». Certains considèrent le poème comme une œuvre moderniste car il tente de rompre avec le pentamètre et d’utiliser l’espacement visuel. Le poème ne contient pas non plus de verbes. À l’origine, un espacement différent apparaissait entre les groupes de mots, et cette version se retrouve encore dans l’édition d’avril 1913 de « Poésie ».
« Si nous devons mourir » (1919) est un sonnet shakespearien du poète jamaïcain américain Claude McKay (1890-1948). Bien que le poème adhère à la forme traditionnelle du sonnet, c’est l’une des œuvres fondamentales de la Renaissance de Harlem, un mouvement du XXe siècle qui présentait le travail d’artistes noirs principalement centrés autour de Harlem à New York. McKay a écrit le poème en réponse aux attaques de la foule contre les communautés noires pendant l’été rouge de 1919, une période où des émeutes raciales ont éclaté à travers le pays en réponse à de nombreuses tensions sociales et économiques de l’époque (notez que certains chercheurs conviennent « émeute raciale » est un terme vague, voire trompeur, car le conflit était motivé par la violence raciste blanche). Le poème présente un message de défi aux groupes persécutés, leur demandant de lutter contre l’oppression. Le poème est universellement considéré comme l’un des meilleurs de McKay, et sa signification historique est profonde, car de nombreuses personnes et groupes confrontés à l’oppression se l’approprient au fil des ans pour de nombreuses raisons. Au-delà de sa signification culturelle, les critiques louent également l’utilisation de la forme du poème, son imagerie et son énergie passionnée.
Publié en 1918, « I Sit and Sew » dresse le portrait d’une oratrice frustrée, empêchée d’agir et coupée dans son désir de faire le bien dans le monde. Dans d’autres articles, l’écrivaine, militante et éducatrice Alice Moore Dunbar-Nelson a écrit plus spécifiquement qu’elle ne le fait dans ce poème sur la façon dont les femmes noires ont été exclues des opportunités de service de la Première Guerre mondiale. Souvent marginalement mentionnée comme l’ex-épouse de Paul Laurence Dunbar - l’un des précurseurs de la Renaissance de Harlem - Dunbar-Nelson était déjà publiée et engagée dans une activité civique lorsqu’elle a rencontré et épousé brièvement Dunbar.
«A Sand County Almanac» est un livre documentaire de 1949 du naturaliste et écrivain américain Aldo Leopold. Le livre est structuré comme une série d’essais, commençant par la description par Léopold d’une année sur sa ferme et progressant vers une série d’essais sur la relation de l’humanité avec la nature, aboutissant à un argument en faveur d’une approche éthique de la terre. Publié par Oxford University Press un an après la mort de Léopold, le livre est crédité d’avoir un rôle important dans le mouvement de conservation américain et continue d’être un best-seller.
«Entretien avec le vampire» est le premier roman d’Anne Rice publié en 1976. Il raconte l’histoire de Louis de Pointe du Lac qui raconte ses 200 ans de vie à un reporter anonyme. Il a été écrit à partir d’une nouvelle de 1968 et développé après la mort de Michelle, la fille de Rice. Louis est un jeune propriétaire de plantation d’indigo en 1791, vivant juste au sud de la Nouvelle-Orléans. Désemparé après la mort de son frère, il rencontre Lestat. Lestat le transforme en vampire après avoir exprimé un souhait pour sa compagnie, et les deux vivent dans la plantation pendant un certain temps. Lestat se nourrit des esclaves, mais Louis est submergé par la culpabilité et survit grâce aux animaux. Ils sont forcés de partir lorsque les esclaves déclenchent un soulèvement. Ils ont mis le feu à la plantation pour empêcher la rumeur de se répandre sur les vampires. Petit à petit, Louis commence à se nourrir d’humains, mais il est dérangé par le mépris de Lestat pour la vie humaine. Il se nourrit d’un enfant pestiféré trouvé à côté du corps de sa mère et commence à penser à continuer seul. Pour éviter cela, Lestat transforme l’enfant en vampire pour donner une «fille» à Louis. L’enfant, Claudia, tue facilement, mais à mesure qu’elle vieillit, elle devient mécontente. Son esprit devient celui d’une femme, mais son corps ne le fait jamais. Après encore soixante ans, elle complote pour tuer Lestat en l’empoisonnant et en lui coupant la gorge. Ils jettent son corps dans le marais et se préparent à partir pour l’Europe. Lestat réapparaît et ils mettent le feu à leur maison, le laissant brûler et périr. Lorsqu’ils arrivent en Europe, ils recherchent d’autres vampires. En Europe de l’Est, ils ne trouvent que des cadavres réanimés, mais en France, ils trouvent des vampires comme eux. Armand, un de ces vampires, et son coven vivent dans un vieux théâtre où ils se nourrissent d’humains vivants devant un public en direct. Claudia est repoussée par ces vampires, mais Armand et Louis sont attirés l’un vers l’autre. Craignant que Louis ne la quitte, Claudia exige que Louis lui fasse une compagne, une fabrique de poupées qu’elle trouve à Paris. Le fabricant de poupées, Madeleine, et les deux vivent paisiblement ensemble pendant un certain temps avant que Lestat n’apparaisse à nouveau après avoir survécu à l’incendie.
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