История искусства (Encyclopedia)

Peintres Abstraits: Les 100 meilleurs artistes: l’abstraction en peinture

25/10/2020 14 259
L’abstraction en peinture: définition Art abstrait est un terme générique pour l’art qui n’est pas représentationnel, bien qu’il puisse être dérivé de la réalité. Ainsi, l’abstraction comprend 3 catégories de base: (1) les formes géométriques non naturalistes; (2) des formes dérivées de la nature mais non reconnaissables en tant que telles; (3) œuvres de représentation fortement déguisées, mais non figuratives. Les synonymes de l’abstraction incluent: "art non figuratif", " art concret ", " art non représentatif "ou" art non objectif ", mais aucun n’a été généralement accepté.

Art académique: Caractéristiques, Histoire: Académies des Beaux-Arts

25/10/2020 22 867
Qu’est-ce que l’art académique? Dans beaux arts, le terme "art académique" (parfois aussi "académisme" ou "éclectisme") est traditionnellement utilisé pour décrire le style de la vraie, mais haute d’esprit peinture réaliste et sculpture défendue par les académies européennes d’art, notamment la Académie Française des Beaux-Arts. Ce style d’art "officiel" ou "approuvé", qui a ensuite été étroitement associé à la Peinture néoclassique et dans une moindre mesure la Symbolisme mouvement, s’incarnait dans un certain nombre de conventions picturales et sculpturales à suivre par tous les artistes. Un accent particulier a été mis sur l’élément intellectuel, combiné à un ensemble fixe de esthétique. Surtout, les peintures doivent contenir un message suffisamment élevé. Peter-Paul Rubens (1577-1640), Nicolas Poussin (1594-1665) sont parmi les artistes dont les œuvres sont venues à caractériser les idéaux de l’art académique. Jacques-Louis David (1748-1825), Jean-Antoine Gros (1771-1835), JAD Ingres (1780-1867) Paul Delaroche (1797-1856), Ernest Meissonier (1815-1891) Jean-Léon Gérôme (1824-1904), Alexandre Cabanel (1823-89), Pierre Puvis de Chavannes (1824-98), Thomas Couture (1815-79) et William-Adolphe Bouguereau (1825-1905).

Art américain: histoire des beaux-arts en Amérique

25/10/2020 29 527
Art américain (c.1750-2000) Il s’agit d’un guide succinct en 20 étapes sur l’histoire de l’art américain, y compris la peinture, la sculpture, l’architecture et les formes de l’art contemporain, depuis l’époque coloniale. Pour la culture primitive dans les Amériques, voir: Art précolombien (1200 AEC-1535 CE). Pour plus tard la culture amérindienne, voir: Art indien américain (1000 avant JC-1900).

Peinture de paysage anglaise, XVIIIe / XIXe siècles: histoire, développement, styles, artistes: JMW Turner, John Constable

25/10/2020 39 181
Les origines de l’école anglaise L’attitude moderne envers la nature est tellement différente de celle du XVIIIe siècle qu’il nous est difficile de comprendre les préjugés contre lesquels les paysagistes anglais ont dû lutter. Au début du siècle, l’idée même que le genre des paysages purs qui pourraient convenir à l’art n’avait guère plus de cent ans, et l’idée persistait encore chez les personnes du «goût» que peinture de paysage doit être digne d’un personnage-personnage ostensible.

Peinture figurative anglaise, XVIIIe / XIXe siècle

25/10/2020 36 327
18e siècle, maîtres portraitistes À la suite d’éminents miniaturistes anglais tels que Nicholas Hilliard (1547-1619), Isaac Oliver (1568-1617) et Samuel Cooper (1609-1672), le novateur William Hogarth (1697-1764), le portraitiste du «grand style» Joshua Reynolds (1723-1792) et le singulier Thomas Gainsborough (1727-1788) sont les trois artistes qui résument le meilleur de dessin de la figure et figure-peinture au dix-huitième siècle l’Angleterre, et éclipsent le reste de leurs contemporains. [Note: le portraitiste écossais Allan Ramsay (1713-84) – portraitiste officiel du roi George III – est exclu de cette comparaison.]

Arte Povera: définition, caractéristiques

25/10/2020 6 150
Définition et caractéristiques Dans son sens général, "Arte Povera" (terme italien signifiant art pauvre / appauvri, prétendument dérivé du " théâtre pauvre" du réalisateur polonais Jerzy Grotowski) décrit un type de art d’avant-garde fait à partir de " objets trouvés "y compris des matériaux sans valeur, tels que la terre, des bouts de bois, des chiffons, des bouts de journaux. Il s’agit plus précisément d’un groupe de peintres et de sculpteurs d’avant-garde basés à Turin, Milan, Gênes et Rome à partir du milieu des années 1960 une fusion provocante de Art conceptuel, Assemblage, Minimalisme et Art de la performance. Le groupe a été promu et annoncé par le distributeur turinois Enzo Speroneet, notamment, par le critique d’art et conservateur Germano Celant (né en 1940). Ce dernier a baptisé le nom «Arte Povera» et a organisé la première exposition du mouvement en 1967, à Gênes. Plus tard la même année, il publie un manifeste pour le mouvement en Flash Art. Ces textes et spectacles pionniers, ainsi que son livre influent de 1969, ont créé une identité collective pour Arte Povera, qui a été promu comme un genre révolutionnaire, libéré des conventions et du marché. Les autres noms d’Arte Povera sont « art actuel», « art matérialiste brut» et « anti-forme». Les membres principaux du groupe comprenaient: Mario Merz (1925-2003), Pino Pascali (1935-1968), Michelangelo Pistoletto (né en 1933), Jannis Kounellis (né en 1936), Luciano Fabro (né en 1936), Gilberto Zorio (b.1944) et Giuseppe Penone (b.1947). Voir également: Top artistes contemporains.

Fraternité préraphaélite: histoire, philosophie des préraphaélites

26/10/2020 23 347
Le mouvement préraphaéliteUn style important et influent de Art victorien Le préraphaélisme est né d’un nouveau tempérament dans la peinture anglaise, reflétant les grands changements moraux et matériels de l’ère qui marquent le milieu du XIXe siècle. Jusqu’à présent, la plupart des artistes les plus importants du siècle avaient grandi dans l’atmosphère de peinture et de composition académiques du XVIIIe siècle, et leur travail était l’aboutissement de l’impulsion donnée par William Hogarth (1697-1764), Joshua Reynolds (1723-92) Thomas Gainsborough (1727-1788), et les dessinateurs topographiques avaient donné à la peinture anglaise. Même Tourneur (1775-1851) et Gendarme (1776-1837), malgré leurs grandes innovations en matière de conception et de technique, étaient plus proches de l’esprit de Wilson et de Gainsborough que de leurs successeurs de l’époque victorienne.

Peinture vénitienne: histoire, caractéristiques

27/10/2020 28 456
Disegno Versus Colorito Tandis que le Renaissance à Florence épuisé par la splendeur même de sa propre réalisation, des artistes à Venise exploraient un ensemble différent de possibilités picturales. La différence entre ces deux grandes écoles du Renaissance italienne peut se résumer comme suit: à un florentin de 1480 a La peinture était composé de forme / design plus couleur; alors que pour un vénitien de 1520, il s’agissait d’une forme / d’un design fusionné avec la couleur. A Florence, couleur ( colorito ) , si harmonieux soit-il, était une qualité à ajouter au design ( disegno ). À Venise, il était indissociable du design. Pour un Florentin, c’était un attribut de l’objet auquel il appartenait: une robe rouge ou un arbre vert étaient des plaques de rouge et de vert confinées dans les limites de ces objets. Les Vénitiens pensaient quant à eux que la couleur était une qualité sans laquelle la robe ou l’arbre existait à peine. Elle imprègne tout et traverse les contours comme la lumière. L’unité structurelle de la peinture florentine a cédé la place à l’unité chromatique du vénitien. À Venise, Couleur a donné la vie à la toile et le talent d’un artiste pour mélanger et utiliser pigments de couleur était critique. L’importance que les Vénitiens accordaient à la couleur explique en partie pourquoi ils ont adopté peinture à l’huile avec plus d’enthousiasme que leurs homologues de Florence, car la peinture à l’huile donnait aux artistes plus de profondeur et de luminosité que détrempe. Pour l’impact des peintres de Venise sur l’art européen, voir: Héritage de la peinture vénitienne (après 1600).

Portrait de Venise

27/10/2020 15 067
introduction Portrait d’art développé très tôt à Venise. Peu de temps après 1339, Paolo Veneziano a peint le portrait du défunt doge Francesco Dandolo avec son épouse encore vivante sur la tombe de Dandolo dans la Sala del Capitolo du Frari. Les personnages sont à la même échelle que leurs saints patrons (une caractéristique très inhabituelle pour la période) et les visages semblent être des portraits authentiques, même si le style suit toujours les conventions de Art byzantin.

Retables vénitiens: Renaissance, périodes de maniérisme

27/10/2020 13 565
introduction Dans cet article, nous examinons le développement de Venetian retable d’art pendant le seizième siècle – principalement des retables, des retables et des triptyques – et montrez comment cette tradition a été modifiée par les principaux artistes de cette période. Pour un certain nombre de raisons, ce n’est pas une tâche facile. Premièrement, la période en question, qui couvre la fin de la période Début de la renaissance (1400-90), le Haute renaissance (1490-1530), Maniérisme (c.1530-99) et les débuts de la Baroque (1600-1700), a été marquée par des changements radicaux dans la théorie artistique, les principes de composition et les formes d’expression. Deuxièmement, dans l’orbite de Peinture vénitienne il existait des écoles locales avec leurs propres traditions et normes de Art biblique; et il y avait une différence de qualité particulièrement marquée entre les produits de Venise elle-même et ceux des centres provinciaux du continent. Enfin, il est souvent difficile de prendre en compte les contributions très originales et idiosyncratiques des plus grands Maîtres Anciens dans un schéma de développement rigide. Néanmoins, il est possible de discerner une sorte de modèle de Art chrétien, dont les origines remontent au dernier quart du 15ème siècle. A cette époque, une formule distinctive pour les retables vénitiens fut modifiée et améliorée au 16ème siècle. Remarque: les retables venaient généralement dans les formats de base suivants: diptyque (2 panneaux), triptyque (3 panneaux) ou polyptyque (multi-panneaux).

Sécession de Vienne: Histoire, Caractéristiques

27/10/2020 8 373
Sécession de Vienne: Histoire, Caractéristiques Dans art moderne, la phrase "Vienne Sécession" ( Wiener Sezession) fait référence aux actions des progressistes artistes modernes à Vienne, qui a rompu avec l’Académie conservatrice des arts de la ville, dont le salon annuel écoles d’art est resté attaché à un style démodé art académique. La tendance sécessionniste est apparue dans plusieurs villes d’Europe, à Munich en 1892, où la nouvelle Sécession, dirigée par Franz von Stuck, s’est rapidement éclipsée face à l’organisation artistique officielle. La Sécession de Vienne, formée en 1897 sous le Gustav Klimt (1862-1918), était le groupe d’influence le plus influent et a publié son propre périodique Ver Sacrum (Printemps sacré) afin de promouvoir ses idées. Il a également construit un nouveau bâtiment spectaculaire ( Haus der Wiener Sezession) , conçu par un architecte Joseph Maria Olbrich (1867-1908). Il n’y avait pas de caractéristiques unificatrices du sécessionniste viennois La peinture ou sculpture, ou même architecture : au contraire, ses membres étaient attachés à l’idéal de moderniser l’art autrichien en le familiarisant avec les dernières mouvements d’art moderne, y compris les dernières tendances en Post-impressionnisme et Expressionnisme, ainsi que les styles à la mode des arts décoratifs, comme Art Nouveau. Cependant, ce sont les peintures de Klimt qui ont provoqué la plus grande controverse. Ses tableaux Philosophy and Medicine (tous deux de 1900), commandés pour l’Université, étaient réputés être trop explicitement physiques, tout comme ses Beethoven Frieze (1902) et The Kiss (1907-8), dont les toiles chatoyantes tiraient un grand profit des connaissances approfondies de Klimt art appliqué.

Château de Versailles: Histoire, architecture, design d’intérieur

27/10/2020 18 650
introduction Le château de Versailles (construit vers 1624-98), un magnifique exemple de français Architecture baroque, est le château royal le plus célèbre de France. La gigantesque échelle de Versailles illustre le thème architectural de la «création par division» – une série de répétitions simples rythmées par la répétition de grandes fenêtres – qui expriment les valeurs fondamentales de Art baroque et dans lequel le point central de l’intérieur, ainsi que de l’ensemble du bâtiment, est le lit du roi. Parmi ses conceptions architecturales célèbres figure la Galerie des Glaces, une des salles les plus célèbres du monde. Situé à une vingtaine de kilomètres au sud-ouest de Paris, dans un vaste parc, le palais et sa décoration ont stimulé une mini-renaissance de l’intérieur conception, aussi bien que art décoratif, aux 17ème et 18ème siècles. En effet, Art décoratif français au cours de la période 1640-1792 – notamment Meubles français – est synonyme des rois de France Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) et Louis Seize (XVI), ainsi nommés. Les nombreux créateurs et artisans français ayant contribué à la vie de Versailles architecture, mobilier et objets d’art, y compris Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart, André Le Notre, Charles Le Brun, Jean Bérain l’Aîné, André-Charles Boulle, Charles Cressent, Jean-Baptiste Oudry, François Lemoyne et Juste-Aurèle Meissonnier, entre autres. De 1682 au début de la Révolution française en 1789, le château de Versailles abrita le roi et toute la cour royale française, soit environ 3 000 habitants, ce qui en faisait un symbole de l’absolutisme et de la décadence de l’ Ancien Régime, et la monarchie française en particulier. Le château royal lui-même n’est pas le seul complexe de bâtiments sur le site, qui comprend également cinq chapelles, plus le Grand Trianon (1687-1688), le Pavillon Francais (1749) et le Petit Trianon (1762-1728), ainsi que 800 hectares de jardins, aménagés dans le style classique du jardin à la française.

Art byzantin: caractéristiques, histoire

25/10/2020 16 808
Centres de style byzantinart paléochrétien étaientRavenne, Kiev, Novgorodet Moscou. S’il te plait regarde:Art chrétien byzantin.

Art victorien en Grande-Bretagne: histoire, caractéristiques

27/10/2020 19 580
Pour un guide général sur l’évolution de la peinture, de la sculpture etautres formes d’art, voir: Histoire des arts (2, 5 millions avant notre ère).

Art de la Renaissance allemande: histoire, caractéristiques

17/04/2022 46 110
Pour voir comment la peinture et la sculpture de la Renaissance allemande s’inscrivent dans la chronologie de la culture européenne dans son ensemble, voir: Chronologie de l’histoire de l’art.

Vorticisme: définition, caractéristiques

27/10/2020 6 514
Définition / Caractéristiques Un mélange unique de Cubisme et Futurisme, Le vorticisme était un important britannique art d’avant-garde mouvement du début du XXe siècle, bien qu’il ait duré officiellement deux ans tout au plus. La figure centrale du mouvement était le peintre, écrivain et polémiste anglais Percy Wyndham Lewis (1882-1957), alors que le nom – faisant référence au vortex émotionnel considéré comme la source nécessaire de la création artistique – a été inventé par le poète américain Ezra Pound. Le vorticisme a été fondé en 1914 par les deux membres du Rebel Art Center. Le journal " Blast ", publié à deux reprises seulement (en 1914 et 1915), proclamait le Manifeste vorticiste et fournissait de la publicité au mouvement. Deux expositions d’art futuriste à Londres ont été des catalyseurs importants du lancement du mouvement, tandis que le déclenchement de la Première Guerre mondiale en 1914 entraîna sa disparition prématurée. En conséquence, une seule exposition vorticiste a jamais été organisée. Le mouvement s’est effectivement dissout en 1915 en raison de l’impact de la guerre et de la perte du soutien financier de son soutien, l’artiste Kate Lechmere (1887-1976). La philosophie vorticiste a été brièvement rétablie en 1920 avec la formation du groupe X par Lewis.

Réalisme hollandais Style de peinture

01/11/2019 6 828
Pour un guide sur l’évolution de la peinture, de la sculpture et de l’architectureet d’autres formes d’art, voir: Histoire des arts (800 avant notre ère).

Architecture gothique: caractéristiques, histoire

25/10/2020 11 965
TerminologiePour un guide, voir:Glossaire d’architecture.

Art Gothique: Caractéristiques, Histoire

25/10/2020 15 731
Résumé – Caractéristiques Le terme " style gothique"fait référence au style de l’architecture européenne, de la sculpture (et des arts mineurs) qui reliait Art roman avec le Début de la renaissance. La période est divisée en gothique ancien (1150-1250), en gothique élevé (1250-1375) et en gothique international (1375-1450). Principalement une forme publique de Art chrétien, il a d’abord prospéré en Île de France et dans les régions voisines entre 1150 et 1250, puis s’est étendu dans le nord de l’Europe.

Mouvement expressionniste: histoire, caractéristiques

25/10/2020 39 130
introduction ExpressionnismeCe n’était certainement pas une école, en ce sens qu’il n’était pas question que de nombreux artistes forment un groupe sur la base d’un programme spécifique et s’adonnent aux mêmes techniques. L’expressionisme représente plutôt un état d’esprit qui, dans le domaine intellectuel, a touché non seulement la poésie et la peinture, mais également la prose, l’architecture, le théâtre, la musique, les sciences, les réformes universitaires et scolaires.

De Stijl: groupe d’art abstrait néerlandais: Caractéristiques, Histoire, Manifeste

19/03/2019 5 268
De Stijl (signification, le style) était une organisation décontractée de peintres, architectes et sculpteurs hollandais, ainsi que le journal utilisé par le groupe pour propager leurs idées sur art abstrait et conception. De Stijl a été fondée et dominée par Theo van Doesburg (1883-1931); ses principaux membres inclus Piet Mondrian (1872-1944), le peintre et designer d’Utrecht Bart van der Leck (1876-1958), le sculpteur anversois Georges Vantongerloo (1886-1965) et le peintre allemand Friedrich Vordemberge-Gildewart (1899-1962), ainsi que les architectes Gerrit Rietveld (1888-1964) et JJP Oud (1890-1963). Pour commencer, De Stijl a promu le concept artistique de Mondrian Néo-plasticisme , mais à partir de 1921, Van Doesburg promeut également les idées de Dada et une forme révisée de néo-plasticisme connue sous le nom de Élémentarisme . Cela a conduit au départ de Mondrian du groupe. L’un des plus influents de l’avant-garde mouvements d’art moderne, De Stijl a eu son plus grand impact sur la conception architecturale – voir par exemple le Corbusier (1887-1965) et Mies van de Rohe (1883-1969) – et les arts appliqués, notamment la typographie et le design de meubles.

Art Nouveau Design: Caractéristiques, Histoire, Artistes

25/10/2020 16 721
introduction L’Art Nouveau était un style international novateur de art moderne cela devint à la mode de 1890 à la Première Guerre mondiale. En réaction aux projets du XIXe siècle dominés par l’historicisme en général et le néoclassicisme en particulier, il a promulgué l’idée de art et conception dans le cadre de la vie quotidienne. Désormais, les artistes ne doivent négliger aucun objet de la vie quotidienne, aussi fonctionnel soit-il. Cette esthétique était considérée comme assez révolutionnaire et nouvelle, d’où son nom – New Art – ou Art Nouveau. D’où également le fait qu’il s’appliquait à une foule de formes différentes, y compris l’architecture, beaux arts, art appliqué, et art décoratif. Enraciné en partie dans la révolution industrielle, et les arts et Artisanat Mouvement, mais aussi influencé par Le japonisme (surtout Impressions Ukiyo-e par des artistes comme Hokusai et son jeune contemporain Hiroshige) et Dessins celtiques, L’exposition universelle de 1900 à Paris a donné un nouvel élan à l’Art nouveau. Après cela, il s’est répandu en Europe et jusqu’aux États-Unis et en Australie, sous des noms locaux tels que Jugendstil (Allemagne), Stile Liberty (Italie), Sezessionstil (Autriche) et style Tiffany (Amérique). Un langage très décoratif, l’Art nouveau utilisait généralement des motifs curvilignes complexes de lignes asymétriques sinueuses, souvent basées sur des formes végétales (parfois dérivées de La Tene formes de Art celtique). Les motifs floraux et d’autres motifs inspirés des plantes sont des motifs populaires de l’Art nouveau, tout comme les formes et les silhouettes féminines. Utilisant une variété de matériaux, le style a été utilisé dans l’architecture, la décoration d’intérieur, la verrerie, la bijouterie, art de l’affiche et l’illustration, ainsi que la peinture et la sculpture. Le mouvement a été remplacé dans les années 1920 par Art Déco.

Peinture de bord dur

25/10/2020 4 845
Ce mini-mouvement de Art américain était une sous-variante de ce que critique d’art Clément Greenberg (1909-94) appelé Abstraction Post-Painterly – une tendance loin de la gestuelle Expressionisme abstrait tel que pratiqué par Willem de Kooning, Jackson Pollock et d’autres, vers un langage plus doux et plus net. L’historien de l’art et critique Jules Langsner a utilisé pour la première fois en 1959 le terme de peinture au trait dur pour décrire les images non figuratives de quatre artistes de la côte ouest (Karl Benjamin, Lorser Feitelson, Frederick Hammersley et John McLaughlin) qu’il avait rassemblés. dans une exposition intitulée Four Abstract Classicists, au Los Angeles County Museum of Art.

Peinture baroque: histoire, caractéristiques, styles

25/10/2020 16 907
introduction En général, la "peinture baroque" était le reflet des profonds changements politiques et culturels qui se produisaient à travers l’Europe. Baroque La peinture coïncidait en gros avec le 17ème siècle, bien que dans certaines régions – notamment l’Allemagne – certaines de ses réalisations n’aient pas eu lieu avant le 18ème siècle. Bien que le terme englobe une variété déconcertante de styles, il est généralement caractérisé par deux choses: un sens de la grandeur (ou une richesse sensuelle) et un contenu émotionnel manifeste. C’est à travers ces deux éléments que les peintres baroques ont cherché à évoquer des états émotionnels chez le spectateur en faisant appel aux sens, souvent de manière dramatique. Pourquoi faisaient-ils appel aux téléspectateurs de cette manière? Parce que la vie au 17ème siècle, l’Europe était soudainement devenue une compétition entre deux forces puissantes.

Action Painting Technique: définition, caractéristiques

25/10/2020 4 754
Qu’est-ce que la peinture d’action? – Caractéristiques C’est un style d’abstrait très chargé et impulsif peinture gestuelle pendant laquelle la peinture est énergiquement éclaboussée, répandue ou répandue sur une toile, généralement placée à l’envers sur le sol. Bien que ce type de peinture automatique ait été utilisé par différents artistes impliqués dans différents mouvements, tels que le surréalisme, il est principalement associé à École new yorkaise des américains Expressionisme abstrait des années 1940 et 1950, et avec le peintre Jackson Pollock (1912-1956), surnommé "Jack le goutteur". Quand il est apparu, il a été perçu comme l’un des événements les plus révolutionnaires de Art américain.

Peinture début Renaissance, Italie

25/10/2020 23 262
Ressources associées Le début de la Renaissance en Italie: caractéristiques (vers 1400-1490) Art de la première Renaissance En Italie, c’était essentiellement une période d’expérience, caractérisée par les styles de certains artistes plutôt que par une tendance uniforme, comme dans le cas des artistes. Haute renaissance (c.1490-1530) ou Maniérisme (c.1530-1600). La peinture de la première Renaissance a grandi à Florence, d’où elle s’est répandue à partir du milieu du siècle dans des villes comme Urbino, Ferrare, Padoue, Mantoue, Milan et Venise.

Art du retable: types de retables, triptyque, polyptyque, diptyque

25/10/2020 4 953
introduction Le retable était l’un des points culminants de Art chrétien pendant la période gothique tardive, la renaissance italienne, la renaissance nordique et la contre-réforme. Ce type de art religieux consiste généralement en une ou plusieurs peintures, ou sculptures (gravures sur pierre ou sur bois) sculptées en rond ou en relief, ou simplement un écran ou un mur décoré. Il peut se tenir sur, au-dessus ou derrière l’autel.

Hiérarchie des genres: histoire, portraits, genre, paysages, nature morte

25/10/2020 9 261
NOTE: Pour l’analyse de peintures de tous les genres jusqu’à 1800, voir: Tableaux célèbres analysés (1250-1800). Pour les travaux ultérieurs, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

L’impressionnisme: objectifs, plus grands impressionnistes, impact sur l’art occidental

25/10/2020 36 584
introduction L’impressionnisme est sans doute le plus célèbre Peinture française mouvement jamais. Le nom actuel "Impressionnisme" a été inventé par le critique d’art français Louis Leroy, après avoir visité la première exposition d’Impressist La peinture en 1874 où il voyait Impression: Soleil Levant (1872) de Claude Monet. Ironiquement, Monet n’a choisi le titre qu’à l’achèvement du catalogue de l’exposition et a presque nommé l’œuvre Vue du port du Havre ! Au total, entre 1874 et 1882, les impressionnistes organisèrent sept expositions, toutes à Paris.

Art baroque: définition, styles, histoire

08/02/2020 15 200
Définition: Qu’est-ce que l’art baroque?

Art de la Renaissance à Venise

26/10/2020 24 662
Art de la Renaissance à Venise (environ 1400-1600) Introduction à l’art vénitien Venise, un autre centre de Art de la Renaissance, est une ville de canaux miroitante et onirique qui, depuis des siècles, est le lien entre l’Italie et l’est oriental. Dès ses débuts, la ville servit de refuge aux habitants des villes voisines telles que Padoue, notamment lors des invasions gothiques et lombardes des Ve et VIe siècles de notre ère. Dirigée aux VIe et VIIe siècles par les empereurs byzantins, la ville fut placée sous la tutelle religieuse et temporelle de l’exarque de Ravenne. Ravenne était à cette époque une ville d’églises splendides et remplies de mosaïques (pour plus de détails, voir: Mosaïques Ravenne) et un port maritime important et prospère, plus important que Venise elle-même. Au neuvième siècle, Venise était une puissance en développement et était devenue un centre d’échange de produits de luxe, tels que des épices et des soieries de l’Est, contre du bois d’œuvre, des céréales et du vin italiens. À l’instar des autres villes italiennes de l’époque, c’est le noyau d’un réseau croissant de routes commerciales qui la met en contact avec l’Europe et l’Est – même l’Extrême-Orient. Le développement culturel de Venise n’a cependant pas été influencé par ce qui se passait dans les autres villes italiennes. Cela s’explique en partie par sa situation en mer Adriatique et par sa longue association avec l’empire byzantin et son centre, Constantinople. Ses liens étaient avec l’Est. Au IXe siècle, lorsque les citoyens de Venise décident de construire une magnifique église en l’honneur de Saint-Marc, beaucoup de nobles et de simples citoyens font venir du marbre à Aquilée, à Ravenne et à Constantinople. "En effet, la basilique Saint-Marc, construite à onzième siècle, est un monument à la durabilité et à la grandeur de la Art byzantin tradition. La basilique a été érigée sur un plan de forme carrée à partir de laquelle cinq coupoles dorées se dressent en forme de croix. Ces dômes dominent la magnifique place devant l’église et servent presque de phare au visiteur qui s’approche de la ville par la mer. (Pour en savoir plus sur les projets de construction des XVe et XVIe siècles en Italie, voir: Architecture Renaissance.) Les trois siècles qui se sont écoulés entre la construction de Saint-Marc et la chute de Constantinople en 1452 ont été extraordinaires pour Venise. Après la consolidation de leur gouvernement sous un doge ou un duc, les Vénitiens ont établi des centres commerciaux dans les Balkans, dans les îles Ioniennes, en Crète, à Chypre, en Arménie, à Alexandrie, à Caffa dans la péninsule de Crimée et finalement aussi loin que la Chine. La prospérité de Venise était assurée pour les années à venir. Son ducat d’or, frappé pour la première fois en 1284, est devenu la devise standard de la Méditerranée et, au début du XIVe siècle, sa flotte fait escale dans tous les grands centres commerciaux de l’Europe du Nord, de l’Angleterre et de la Hollande.

Art baroque hollandais

25/12/2021 15 140
L’âge d’or néerlandais de la peinture Pendant l’ère de Art baroque Les Provinces-Unies, dont la Hollande, occupaient la partie nord des Pays-Bas. Moins développés que la Flandre, ils étaient peut-être autrefois les parents pauvres des Flamands, mais au XVIIe siècle, la nation était riche, fière et son influence grandissait. En fait, il est devenu l’un des pays les plus riches d’Europe au 17ème siècle. Il était aussi accro à la peinture: durant la période 1600-80, plus de 4 millions de peintures furent produites en Hollande – bien plus que le nombre d’artistes de la région. Baroque flamand – et chaque type de personne a livré leur propre appréciation de peinture d’art; artisans, marchands, bourgeois, marins, commerçants, tous savaient ou se vantaient de savoir quelque chose à ce sujet.

Mouvement artistique Dada: histoire, caractéristiques, artistes

25/10/2020 17 460
Qu’est-ce que Dada? – Caractéristiques et esthétique Premier mouvement anti-artistiquemajeur, Dada était une révolte contre la culture et les valeurs qui, croyait-on, avaient provoqué et soutenu le carnage de la Première Guerre mondiale (1914-18). Il s’est rapidement développé en un type anarchique de très art d’avant-garde dont le but était de subvertir et de saper le système de valeurs de l’institution dirigeante qui avait permis la guerre, y compris l’établissement artistique qu’ils considéraient comme inextricablement lié au statu quo socio-politique discrédité. Errant simultanément en 1916, en Europe et en Amérique, ses dirigeants étaient généralement très jeunes, au début de la vingtaine, et la plupart s’étaient "retirés", évitant la conscription à l’abri de villes neutres telles que New York, Zurich et Barcelone.

L’art précolombien: définition, histoire, chronologie

26/10/2020 17 133
Définition Le terme " art précolombien" désigne l’architecture, art et artisanat des peuples autochtones d’Amérique du Nord, centrale et du Sud, ainsi que des îles des Caraïbes (environ 13 000 ans av. J.-C. – 1500), jusqu’à la période marquée par l’arrivée de Christophe Colomb dans les Amériques. Voir également: Art indien américain. Le terme " Méso-Amérique" est synonyme d’Amérique centrale, décrivant une région culturelle des Amériques, qui s’étend du Mexique central au Belize, au Guatemala, à El Salvador, au Honduras, au Nicaragua et au nord du Costa Rica.

Art début de la Renaissance

25/10/2020 15 925
Remarque: pour en savoir plus sur le duomo – l’icône du Renaissance florentine – voir: Cathédrale de Florence, Brunelleschi et la Renaissance (1420-1436).

Art de la Renaissance nordique: histoire, caractéristiques

15/11/2021 11 754
Renaissance nordique aux Pays-Bas et en Allemagne Dans le domaine des beaux-arts, le terme "Renaissance nordique" désigne l’évolution rapide du domaine des beaux-arts (environ 1430-1580), qui s’est produite dans deux domaines principaux: (1) les Pays-Bas des Pays-Bas, les Flandres et les Pays-Bas; (2) Allemagne. Jusqu’au milieu du XVIe siècle, les ducs de Bourgogne gouvernèrent les régions des Pays-Bas, puis les Habsbourg, qui gouvernèrent également une grande partie de l’Allemagne. La Renaissance du Nord était célèbre pour son avancée peinture à l’huile techniques, réaliste, expressif retable d’art, portrait sur bois peintures sur panneaux, aussi bien que gravures sur bois et d’autres formes de gravure. La sculpture sur pierre n’était pas populaire, mais Sculpture sur bois était une spécialité allemande.

Art de la Renaissance à Florence

26/10/2020 38 497
Le début de la Renaissance italienne à Florence introduction Au XIVe siècle, l’Italie était composée d’États de tailles diverses. Bien que les habitants de tous ces États parlent la même langue, les dialectes locaux diffèrent, de même que bon nombre de leurs coutumes locales et de leurs formes de gouvernement. Naples était gouvernée par un roi, tandis que les régions du centre de l’Italie autour de Rome étaient gérées par le pape. Au nord, il y avait de nombreuses petites principautés, le grand duché de Milan et les républiques de Venise et de Florence. En dépit de ces différences, de nombreux dirigeants italiens étaient unis par un sentiment de fierté croissant vis-à-vis de leur identité nationale, ce qui a conduit à un respect croissant pour romain et Art grec de l’antiquité.

Peinture espagnole: histoire, caractéristiques

27/10/2020 26 125
introduction La grandeur de l’Espagne en matière de peinture se retrouve dans la sélection de quelques artistes qui s’élevent tellement au-dessus de leurs semblables qu’ils occupent le sommet de l’art européen. Elles sont El Greco (1541-1614), Diego Velazquez (1599-1660), et Francisco de Goya (1746 1828). Une certaine similitude peut être trouvée entre leur éminence et celle de Rembrandt en Hollande et de Rubens aux Pays-Bas espagnols, bien que non seulement les Pays-Bas, le nord et le sud, un plus grand nombre de Maîtres Anciens, et d’autres artistes qui ont fait preuve d’une grande originalité à un niveau distingué, mais également d’une évolution plus cohérente.

Artistes baroques espagnols

27/10/2020 5 953
Art baroque espagnol L’Espagne a été gouvernée pendant la plus grande partie du XVIe siècle par deux monarques, l’empereur Charles Quint (1516-1556), puis son fils Philippe II (1556-1598), qui cherchaient tous deux à centraliser leur pouvoir royal et identifiaient fortement la couronne au Église. Bien que Philippe II soit particulièrement intéressé et informé sur les arts et ait commandé des œuvres à un large éventail d’artistes, dont Titian, Hieronymus Bosch ainsi que El Greco, le patronage en Espagne provenait principalement de l’Église. Ce dernier était particulièrement traditionaliste et la Contre-Réforme en Espagne se développa selon des principes très orthodoxes, adhérant étroitement aux doctrines du Concile de Trente et soulignant dans l’art les thèmes mis en cause par le protestantisme – l’Immaculée Conception et le culte de la Vierge; les sacrements; l’intercession des saints. Bien que le protestantisme n’ait jamais pénétré en Espagne, Art de la contre-réforme catholique était très populaire. L’ordre jésuite, une création espagnole, était l’une des expressions de la ferveur religieuse de la nation.

Artistes de la Renaissance espagnole

27/10/2020 4 850
La Renaissance en Espagne Peinture espagnole et la sculpture au cours du 15ème et début du 16ème siècle étaient globalement moins avancés que leurs homologues Art de la Renaissance en Italie et dans le Renaissance nordique de Flandre et d’Allemagne. En effet, il est même difficile de situer le début de ce que l’on pourrait appeler à juste titre une Renaissance dans la péninsule ibérique.

Art baroque espagnol

27/10/2020 10 388
L’âge d’or de la peinture espagnole – Caractéristiques Comme aux Pays-Bas, l’ère du 17ème siècle de Art baroque était l’âge d’or de Peinture espagnole .Libéré de la plupart des éléments italiens et parrainé par une Église catholique sans compromis – fortement soutenu par les empereurs Habsbourgdévots – Artistes baroques espagnols a adopté un style sévère et noble Art de la contre-réforme catholique, qui combinent ligne et couleur ainsi que le graphique et le pictural, et impliquent un sens de l’observation si aigu qu’aucun autre âge ou style de Art chrétien a été capable de le dépasser en vérité. C’était l’école d’espagnol, de concert avec les maîtres du Baroque hollandais en Hollande, cela a efficacement guidé la peinture européenne sur la voie du réalisme naturaliste .

Architecture du XIXe siècle: caractéristiques, histoire

26/10/2020 16 425
19ème siècle architecture a été fortement influencée par les mouvements architecturaux antérieurs et les styles étrangers exotiques, adaptés aux nouvelles technologies du début de l’ère moderne. La renaissance des conceptions grecques, gothiques et de la Renaissance a été fusionnée avec les méthodes et les matériaux d’ingénierie contemporains. En Occident, l’historisme idéalisait les empires et les cultures du passé et utilisait des motifs inspirés par ceux-ci pour stimuler la nostalgie nationale. Les principaux types de styles architecturaux du XIXe siècle comprennent: la renaissance grecque (1800-1900); Renaissance gothique (1810-1900) – voir Architecture gothique anglaise – Roman néo-Renaissanceet Richardson (1840-1880); Second Empire (1850-1880); L’exotisme (1800-1900); Architecture industrielle (1850-1900); Conception de gratte-ciel (1885-1900). Voir: Conception (1850-1970).

Histoire de l’art: origines, évolution des arts visuels

12/08/2021 64 624
Contenu Résumé chronologique des principaux mouvements, styles, périodes et artistes ayant contribué à l’évolution et au développement des arts visuels.

Renaissance italienne: peinture, sculpture, architecture

25/10/2020 39 017
Chronologie et chronologie Dans cet article, nous examinons toute la période de Art de la Renaissance, depuis ses débuts au 14ème siècle (Trecento) , à travers son âge d’or du 15ème siècle (quattrocento) , à sa déformation et à son déclin au XVIe siècle (cinquecento). La période est traditionnellement divisée en quatre sections, comme suit:

Caravagisme: caractéristiques du ténébrisme du caravage, clair-obscur

25/10/2020 5 249
Le terme caravagisme décrit les techniques de ténébrisme et clair-obscur popularisé par le peintre maniériste italien radical Michelangelo Merisi da Caravage (1571-1610), et utilisé par lui dans son art religieux, peintures de genre et natures mortes, qui ont ensuite été largement adoptées par d’autres artistes contemporains en Italie et en Europe. En fait, son style a été largement copié, notamment parce que son naturalisme en faisait un véhicule idéal pour Art de la contre-réforme catholique – mais sa signature en clair-obscur est devenue un élément déterminant de la nouvelle ère du 17ème siècle Art baroque, notamment dans les travaux des portraitistes virtuoses Diego Velazquez et Rembrandt van Rijn. Ses compétences artistiques et sa réputation ont été saluées par ses contemporains en dépit de son style de vie personnel violent, qui l’a conduit à sa disparition précoce à l’âge de 38 ans, n’ayant terminé que 60 à 70 peintures environ.

Art carolingien: histoire, styles

25/10/2020 29 237
Arts visuels carolingiensLes principales réalisations de art médiéval sous Charlemagne, Louis le Pieux, Lothar I et II et Charles le Chauve comprenaient l’architecture religieuse, les peintures murales religieuses et les manuscrits évangéliques illuminés, tels que les évangiles de Lorsch, le psautier d’Utrecht, les évangiles d’Ebbo et l’évangéliste de Godescalc. Pour les autres périodes, voir: Mouvements d’art, périodes, écoles.

Quattrocento, art italien du 15ème siècle

26/10/2020 8 082
Remarque: le terme "Renaissance", utilisé pour décrire les nouveaux types de beaux-arts apparus soudainement à Florence au XVe siècle, a été inventé pour la première fois par l’historien français du XIXe siècle Jules Michelet (1798-1874.)

Art cinétique

25/10/2020 5 507
Qu’est-ce que l’art cinétique? – Les caractéristiques Dans visuel art, le terme art cinétique, dérivé du mot grec kinesis, désigne des œuvres qui incorporent un mouvement réel ou apparent. Il explore l’aspect des choses quand elles bougent. Ainsi, dans sa définition la plus large, l’art cinétique englobe un grand nombre de formes d’art différentes, ainsi que des types et des styles de supports. Ainsi, par exemple, il peut s’agir de films cinématographiques et art d’animation, happenings et autres types de art de la performance comme le mime, les figurines Clockwork / Clocktower, les œuvres d’art stroboscopiques ou relatives à la lumière (art Lumino Kinetic), art terrestre ou tout artefact qui disparaît (bonhomme de neige) ou subit un processus de changement visuel, d’art robotique, d’images animées et d’autres œuvres d’art créées avec les nouvelles technologies des médias. Il intègre également Op art des peintures, des dessins et des estampes dont le "mouvement" n’est qu’une illusion d’optique. Les œuvres les plus célèbres de l’art cinétique, cependant, sont divers types de sculpture par Jean Tinguely et les mobiles inventés par Alexander Calder, dont le mouvement est causé par les courants d’air.

Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle

25/10/2020 4 066
introduction Annibale Carracci et Caravage étaient les deux peintres italiens les plus influents au début du 17ème siècle. Tous deux étaient reconnus à leur époque comme des artistes qui, réagissant contre le style de Peinture maniériste répandu dans la seconde moitié du XVIe siècle, avait ramené naturalisme à la peinture. Cependant, ils l’ont fait de manières complètement différentes.

Le renouveau classique dans l’art moderne: le classicisme du XXe siècle

25/10/2020 44 989
Pour un guide général sur l’évolution de la peinture, de la sculpture etautres formes d’art, voir: Histoire des arts (2, 5 millions avant notre ère).

Académie royale des arts, Londres

26/10/2020 5 873
La Royal Academy of Arts (RA) est un organisme indépendant dirigé par d’éminents artistes et architectes. Son objectif est de promouvoir la création, la jouissance et l’appréciation des arts visuels en Grande-Bretagne, principalement par le biais d’expositions, de formations et de débats. Un centre d’excellence pour art académique en Grande-Bretagne, ses homologues en Europe incluent le Académie de Florence (Accademia dell’Arte del Disegno: fondée en 1562), le Académie de Rome (Académie de San Luca: fondée en 1583) et la Académie Française des Beaux-Arts (Académie des Beaux-Arts).

Cubisme: Histoire, Caractéristiques

12/12/2019 14 429
Introduction: art abstrait révolutionnaire En art, le terme Cubisme décrit le style révolutionnaire de la peinture inventé par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) à Paris, pendant la période 1907-1912. Leurs méthodes cubistes – initialement influencées par les motifs géométriques des compositions paysagères du peintre postimpressionniste Paul Cezanne – redéfini radicalement la nature et la portée de peinture d’art et, dans une moindre mesure, la sculpture, telle que pratiquée auparavant, annonçait de toutes nouvelles façons de représenter la réalité. Dans cette mesure, le cubisme marque la fin de l’ère dominée par la Renaissance et le début de art moderne.

Les Nabis: Histoire, Héritage, Membres

26/10/2020 3 117
Un de plusieurs français Post-impressionnisme groupes d’art associés à la Ecole de Paris, Les Nabis se sont rebellés contre les limites de l’art académique – enseigné par le Parisien Ecole des Beaux Arts – a tâté dans le mysticisme et le symbolisme et a recherché une forme de peinture universelle qui donne plus d’importance à la présentation décorative d’une peinture, en accordant une attention particulière à l’utilisation émotionnelle de la couleur et à la distorsion linéaire. Fortement influencé par le travail de Paul Gauguin, le groupe s’est révélé être un contributeur important à la Peinture post-impressionniste et à fin de siecle art décoratif.

Rayonisme, luchisme, mouvement russe d’art abstrait

26/10/2020 3 333
Pour en savoir plus sur les mouvements de peinture en Russie, s’il te plait regarde: Art russe.

Meilleurs peintres anglais: 18ème / 19ème siècle

25/10/2020 8 707
Cette liste d’artistes importants associés à l’Angleterre (principalement à Londres) aux 18e et 19e siècles, présente les deux grandes traditions des beaux-arts de Peinture figurative anglaise et Peinture de paysage anglaise. Le premier d’entre eux comprend des portraitistes, des peintres de genre, des artistes spécialisés dans les dessins de nu, ainsi que des représentants de peintures d’histoire mythologiques, de "pièces de conversation" et d’autres peintures sur le thème. La deuxième tradition englobe les artistes topographiques, ainsi que les peintres de scènes côtières, de paysages marins, de paysages de rivières et d’autres vues panoramiques. Des orientalistes, des miniaturistes, des animaliers, des artistes équestres et des illustrateurs sont également présentés. D’autres artistes seront ajoutés ultérieurement. Toutes les suggestions sont les bienvenues.

Art Mosan: Caractéristiques, Histoire, Artistes

26/10/2020 7 124
Pour un guide général sur le développement des arts, s’il te plait regarde: Histoire des arts (2, 5 millions avant notre ère).

Mouvement artistique maniériste

26/10/2020 14 796
Ressources supplémentaires Qu’est-ce que le maniérisme? En beaux-arts, le terme "maniérisme" (dérivé du mot italien "maniera", style ou élégance) désigne un style de peinture, de sculpture et (dans une moindre mesure) d’architecture, apparu à Rome et à Florence entre 1510 et 1520., au cours des dernières années du Haute renaissance. Le maniérisme sert de pont entre le style idéalisé de Art de la Renaissance et la théâtralité dramatique de la Baroque.

Peinture miniature: l’art de Limning

26/10/2020 6 825
introduction Dans beaux arts, le terme "miniature" désigne deux types d’images: (1) images illustratives (environ 600-1400 de notre ère) en manuscrits enluminés; (2) portraits miniatures (1500-1850) assez petits pour être portés comme un objet de bijoux (médaillon), y compris des portraits-souvenirs de petite taille pouvant être tenus à la main. Comme on le suppose communément, le terme miniature miniature découle non pas du mot "minute", mais du latin " minium", le fil rouge utilisé dans illustration par des enlumineurs médiévaux (" miniators") pour décorer les lettres initiales de manuscrits enluminés: le rouge étant l’une des couleurs les plus anciennes à être utilisées dans de tels textes. Au Moyen Âge, miniature portrait d’art s’appelait " historia" (d’où le terme " historiated" initial), tandis que les minuscules portraits peints par l’artiste élisabéthain Nicholas Hilliard (1547-1619) et ses contemporains étaient appelés des " limnings" (tableaux en petit). Les miniatures sont devenues particulièrement populaires au 16e siècle en Europe et ont été largement utilisées aux 17e et 18e siècles. Ils comprenaient certains des plus grands portraits en beaux-arts. Ils étaient particulièrement utiles pour véhiculer les regards d’une personne et ainsi faciliter les introductions entre personnes à distance. Parmi les autres clients figuraient des marins, des explorateurs et d’autres voyageurs – qui portaient des souvenirs personnels de leurs proches à l’étranger – et, à l’inverse, des épouses et des amoureux qui restaient derrière. le meilleurs artistes de portrait Parmi les spécialistes du genre figuraient des spécialistes tels que Jean Clouet, Nicholas Hilliard, Isaac Oliver, Samuel Cooper, Jean Petitot et Richard Cosway, ainsi que des portraitistes réguliers tels que Jean Fouquet, Hans Holbein, Sir Thomas Lawrence et Henry Raeburn.

Mosaïques Ravenne: Caractéristiques, Photos

26/10/2020 12 054
introduction La ville de Ravenne, dans le nord de l’Italie, située sur la côte Adriatique, au sud de Venise, est célèbre pour ses Architecture romaine et ses chefs-d’œuvre de art de la mosaïque, dérivé de son temps en tant que capitale de l’Empire romain d’Occident (environ 402 à 76), et plus tard en tant qu’Exarchat impérial de l’Empire byzantin (environ 540 à 750). Ses monuments les plus importants de art paléochrétien sont: le mausolée de Galla Placidia (vers 380-450), construit par l’empereur Honorius; le mausolée de Theoderic (env. 520) et la basilique de Sant’Apollinare Nuovo (500-514), tous deux construits par Theodoric le Grand (454-526); la basilique San Vitale (527-546), commencée par la reine Amalasuntha (495-535), fille de Theodoric; et la basilique Saint-Apollinaire in Classe (vers 535-549), construite par le banquier grec Julianus Argentarius, qui a également financé l’église de San Vitale. Bien que beaucoup de ses structures survivantes aient été lourdement restaurées, Ravenne reste le site le plus important de Art byzantin à l’extérieur de Constantinople, notamment pour son exquise art décoratif, y compris les mosaïques, sculpture en relief, images murales, art céramique, maiolica, sculpture sur ivoire, incrustations de marbre, orfèvrerie, sarcophages ornés et bien plus encore.

Jeunes artistes britanniques (YBA), Britart

27/10/2020 10 485
introduction À la fin des années 1980 et 90, art postmoderniste en Grande-Bretagne a été revitalisé par l’émergence d’une nouvelle génération confiante de artistes postmodernistes, plus tard surnommé Young British Artists . N’appartenant à aucun mouvement ou style d’art particulier, ils comprenaient un mélange varié de peintres, de sculpteurs, d’artistes de la vidéo / installation et les photographes, sans autre caractéristique commune que leur jeunesse, leur nationalité et leur implication dans art contemporain. Leur travail s’appelle souvent Britart . Les YBA ont été remarqués grâce à trois expositions d’art: Freeze (1988) et Modern Medicine (1990), toutes deux organisées par un étudiant en art du Goldsmiths College, un inconnu. Damien Hirst (B.1965), et Sensation (1997), tenue à la Royal Academy. Depuis 1988, le sponsor principal de YBA était le collectionneur millionnaire. Charles Saatchi, dont le patronage a contribué à faire de Londres la capitale européenne du postmodernisme. Le terme Jeunes artistes britanniques provient du titre de six expositions de ce nom organisées à la Saatchi Gallery de Londres au cours de la période 1992-1996. Faisant désormais partie des établissements artistiques britanniques, les YBA sont régulièrement primés au concours. Prix Turner et ont été élus membres de la London Royal Academy. Ils ont été exposés dans beaucoup de meilleures galeries d’art contemporain en Europe. Outre Hirst, des artistes notables associés au mouvement des «jeunes artistes britanniques» incluent: Tracey Emin, Jake et Dinos Chapman, Douglas Gordon, Marcus Harvey, Gary Hume, Rachel Whiteread, Gillian Porter, Mark Wallinger, Marc Quinn, Steve McQueen, Chris Ofili, Jenny Saville et d’autres.

Nazaréens: peintres catholiques allemands à Rome

26/10/2020 5 597
Origines Une partie du large le romantisme mouvement dans Art allemand du XIXe siècle, les Nazaréens étaient un groupe de jeunes allemands idéalistes Artistes romantiques Né vers les années 1780, il fut élève à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne. Croyant que la vie réelle était trop banale pour être décrite, ils l’ont rejetée au profit de questions d’esprit, et se sont concentrés sur Art chrétien, dans la tradition de la peinture médiévale, notamment Art médiéval allemand et italien peinture début de la Renaissance. Sous la direction de Friedrich Overbeck (1789-1869), il comptait également Franz Pforr (1788-1812), Wilhelm von Schadow (1788-1862), Julius Schnorr von Carolsfeld (1794-1872), Ludwig Vogel et Johann Konrad Hottinger. Ils ont ensuite été rejoints à Rome par d’autres, tels que Peter von Cornelius (1783-1867), Johann Anton Ramboux (1790-1866) et Phillip Veit. Le nom "Nazaréens", créé en 1817 par le peintre autrichien Joseph Anton Koch (1768-1839), disciple de Nicolas Poussin, leur a été donné en raison de leur mode de vie pieux, de leur costume biblique et de leurs cheveux longs.

Héritage de la peinture vénitienne

27/10/2020 9 483
introduction Les héritiers de la grande floraison du XVIe siècle Peinture vénitienne devaient se trouver non pas à Venise même (où le talent a diminué rapidement après 1600), mais à Amsterdam, Anvers et Madrid; Rome, Paris et Londres. Les Italiens Caravaggio et Annibale Carracci; les maîtres néerlandais, Rubens, Anthony Van Dyck et Rembrandt; Poussin et Velazquez – ces génies, dont l’exemple a inspiré et dominé peinture d’art En Europe, pendant près de 250 ans, alors qu’ils présidaient encore nos musées réels et imaginaires, ils se sont largement nourris de la peinture de la Venise Renaissance, qui a ainsi quitté les frontières de l’art italien (auquel l’historien / peintre Giorgio Vasari souhaitait le consigner) au centre même. Certains de ces peintres ont visité Venise elle-même, mais d’autres non. Au cours du XVIIe siècle, les images vénitiennes se répandirent dans les villes de toute l’Europe. Lorsque le jeune Rembrandt fut invité à se rendre en Italie pour améliorer son style, il déclara que c’était inutile, car il était plus facile de voir l’italien. Art de la Renaissance à Amsterdam que de voyager de ville en ville en Italie même. Nous verrons que cette demande n’est pas totalement déraisonnable.

Naturalisme en peinture

21/03/2019 13 061
Qu’est ce que le naturalisme? (Les caractéristiques) Dans art haletant, «naturalisme» décrit un style réaliste qui implique la représentation ou la représentation de la nature (y compris des personnes) avec le moins de distorsion ou d’interprétation possible. Les meilleures peintures naturalistes offrent une qualité quasi photographique: une qualité qui requiert un minimum de détails visuels. Le naturalisme "moderne" date de l’abondance du début du 19ème siècle et était très influencé par la mode littéraire d’authenticité – le terme a été inventé pour la première fois par l’écrivain français Emile Zola. Il est apparu en premier dans Peinture de paysage anglaise avant de se répandre en France puis dans d’autres régions d’Europe. Comme tous les styles comparables, le naturalisme est influencé dans une certaine mesure par la esthétique et la culture, ainsi que le subjectivisme inévitable, de l’artiste. Mais c’est une question de degré. Après tout, aucune peinture ne peut être totalement naturaliste: l’artiste est tenu de faire de minuscules distorsions pour créer son idée d’une image parfaitement naturelle. Néanmoins, si un artiste part clairement dans le but de reproduire la nature, le résultat le plus probable est une peinture naturaliste.

Art allemand du XIXe siècle

25/10/2020 45 717
Pour voir comment la culture allemande du XIXe siècle s’inscrit dans l’évolution chronologique des arts visuels en Europe, voir: Chronologie de l’histoire de l’art.

Néo-impressionnisme: mouvement de peinture

26/10/2020 8 706
Qu’est-ce que le néo-impressionnisme? – Les caractéristiques Le terme néo-impressionnisme a été utilisé pour la première fois en 1886 par le critique d’art français Felix Feneon décrire un style du 19ème siècle Peinture post-impressionniste, mis au point par Georges Seurat (1859-1891). Ce style de Post-impressionnisme utilisé une nouvelle technique de "mélange de couleurs" connue Pointillisme (une forme spécifique de Divisionnisme). En termes simples, au lieu de mélanger différentes couleurs sur une palette et de les appliquer ensuite sur la toile, les artistes néo-impressionnistes appliquent différentes couleurs primaires à la toile – par groupes de petits points (points) – puis permettent à l’œil du spectateur de faire la même chose. "mélange." Cette méthode de peinture pointilliste a été utilisée pour augmenter la luminosité du pigments de couleur. De loin, les points de pigments séparés se rejoignaient dans l’œil du spectateur et brillaient avec un maximum de brillance. Seurat lui-même a appelé la technique le chromoluminarisme (luminosité des couleurs) plutôt que le pointillisme ou le divisionnisme. (Remarque: bien que utilisé de manière interchangeable, le divisionnisme fait référence à la méthode générale consistant à appliquer des petits traits ou des touches de couleurs primaires distinctes, tandis que le pointillisme se réfère à la taille / type de touche, dans ce cas, des points.)

Architecture néoclassique (1640-1850)

26/10/2020 8 217
Ressources supplémentaires introduction Dans architecture, Néoclassicisme (ou simplement classicisme) a signalé un retour à l’ordre et à la rationalité après le flamboyant Baroque, et la frivolité décorative du Rococo. En tant que style composé de nombreux éléments, basés à des degrés divers sur les formes antiques de Architecture grecque et Architecture romaine, l’architecture néoclassique peut être imitée dans une plus ou moins grande mesure. Pour cette raison, les concepteurs de bâtiments ont continué à emprunter des modèles grecs et romains depuis le milieu du 17ème siècle – on pourrait même dire, depuis la chute de Rome au Ve siècle! – ce qui fait du néoclassicisme le style de construction le plus populaire au monde.

Peinture néoclassique: définition, caractéristiques

26/10/2020 8 586
Ressources supplémentaires La renaissance de l’antique La peinture néoclassique mettait généralement l’accent sur une conception linéaire austère dans la représentation d’événements, de personnages et de thèmes classiques, en utilisant des décors et des costumes historiquement corrects. Son émergence a été grandement stimulée par le nouvel intérêt scientifique pour l’Antiquité classique qui s’est manifesté au cours du XVIIIe siècle. Une série de découvertes archéologiques remarquables, notamment les fouilles des villes romaines ensevelies d’Herculanum (commencée en 1738) et de Pompéi (commencée en 1748), provoqua un regain d’intérêt pour le Art romain. En outre, à partir de 1712 environ environ, plusieurs publications influentes de Bernard de Montfaucon (1655-1741), Giovanni Battista Piranesi (1720-1778), Le Comte de Caylus et Robert Wood présentent des gravures de monuments romains et renforcent encore l’intérêt pour classicisme et l’antiquité classique. Tout cela a aidé les chercheurs à établir une chronologie plus précise de l’art gréco-romain, dont les nombreux courants et styles stimulaient un plus grand respect de la culture de l’époque. Les écrits enthousiastes de l’historien et universitaire allemand Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) ont été particulièrement influents à cet égard et l’ont rapidement établi comme le champion de Art grec et du style latent du néoclassicisme.

Art néoclassique, néoclassicisme (1770-1830)

26/10/2020 8 313
Sommaire Le style artistique appelé "néoclassicisme" (aussi appelé " classicisme ") était le mouvement prédominant dans l’art et l’architecture européens à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle. Il reflétait le désir de faire revivre l’esprit et les formes de l’art classique de la Grèce et de la Rome antiques, dont les principes d’ordre et de raison Le néoclassicisme était aussi, en partie, une réaction contre l’ostentation de Art baroque et la frivololité décadente du décoratif Rococo l’école, soutenue par la cour française – et en particulier par la maîtresse de Louis XV, Madame de Pompadour – et stimulée en partie par la découverte des ruines romaines d’Herculanum et de Pompéi (1738-1750), ainsi que par la publication en 1755 du livre très influent Réflexions sur l’imitation d’œuvres d’art grecques, par l’historien de l’art et érudit allemand Johann Winckelmann (1717-1768). Tout cela a conduit à une renaissance de la peinture, de la sculpture et de la conception architecturale néoclassique à Rome – une étape importante dans la grande tournée – d’où il s’est étendu vers le nord jusqu’en France, en Angleterre, en Suède et en Russie. L’Amérique est devenue très enthousiaste à propos de l’architecture néoclassique, notamment parce qu’elle donnait aux bâtiments publics une aura de tradition et de permanence. Anton Raphael Mengs (1728-1779), Jacques-Louis David (1748-1825), peintres néoclassiques Angelica Kauffmann (1741-1807) et Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867); Jean-Antoine Houdon (1741-1828), John Flaxman (1755-1826), Antonio Canova (1757-1822) et Bertel Thorvaldsen (1770-1844) figuraient parmi les sculpteurs. Jules-Hardouin Mansart (1646-1708) est l’un des représentants les plus connus de l’architecture néoclassique. Jacques Germain Soufflot (1713-1780), Claude Nicolas Ledoux (1736-1806), John Nash (1752-1835), Jean Chalgrin (1739-1811), Carl Gotthard Langhans (1732-1908), Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) et Benjamin Henry Latrobe (1764-1820).

Tableau de l’école d’icônes de Novgorod

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introduction Un centre exceptionnel de Art chrétien, l’école de Novgorod a produit tant de peintures sur panneaux d’une qualité telle, entre le XIIe et le XVIe siècle, que sa production mérite de figurer parmi les plus belles et les plus importantes de l’histoire de la Terre. peinture d’icônes. Il est vrai que certaines icônes byzantines, telles que la Vierge de Vladimir (c.1131), peuvent surpasser celles produites par l’école de Novgorod; mais il y a beaucoup de chefs-d’œuvre individuels de Art russe, bien que les icônes byzantines soient en nombre insuffisant pour nous permettre de nous faire une idée juste de la norme générale atteinte par les peintres byzantins au cours d’une période donnée. Jusqu’à plus Art byzantin L’école novgorodienne de peinture d’icônes doit donc être acceptée comme la plus riche et la plus prolifique. (Voir aussi: Art chrétien, époque byzantine.)

Salon d’Automne, Paris

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Pour des informations sur le Salon de Paris officiel (1667-présent), s’il te plait regarde: Salon de Paris.

Le réalisme à l’impressionnisme: développement et types d’art réaliste

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introduction Le réalisme – l’un des plus importants mouvements d’art de l’ère moderne – a grandi à la suite de l’évolution rapide des conditions industrielles et sociales survenue au cours du XIXe siècle. Son essor est également influencé par l’importance croissante de la science et par le déclin correspondant de l’individualisme romantique. On peut dire que le premier vrai mouvement de Art moderne, cette nouvelle et prosaïque idiome de Peinture réaliste conduit directement chez Monet Impressionnisme et, ensuite, au découplage de la peinture de la nature. Paradoxalement, tout cela a ouvert la porte à art abstrait et les différents volets de Expressionnisme qui a émergé au 20ème siècle.

Art Ottonien: Histoire, Caractéristiques

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L’empire ottonien Au début du 10ème siècle, l’empire carolingien (bien que pas Art carolingien) s’est désintégré à la suite de dissensions internes et des attaques d’ennemis extérieurs – les Scandinaves à l’ouest et les Slaves et les Magyars à l’est. Avec l’élection de Henry the Fowler, duc de Saxe, roi des Francs de l’Est en 918, un processus de consolidation commença. Il a abouti à l’établissement de l’Empire ottonien sous le fils d’Henry, Otto le Grand, couronné empereur du Saint-Empire romain à Rome en 962 et qui a donné son nom à la dynastie et à l’époque. Les empereurs saxons ont réorganisé les moyens de gouvernement en développant une coopération étroite entre l’Église et l’État, dans laquelle il agissait à la fois en tant que souverain nommé par Dieu et en tant que vicaire de Dieu sur la terre – Rex et Sacerdos (roi et prêtre) – tandis que les grands princes de l’Église et leur clergé agissait comme une fonction publique travaillant en étroite harmonie avec la chancellerie royale et formant celle-ci. Sous la dynastie ottonienne, les Francs-orientaux devinrent les leaders incontestés de la chrétienté occidentale. Les princes de l’Église, nommés par l’empereur, n’étaient pas seulement des prélats spirituels, mais aussi des seigneurs féodaux. Les archevêques et les évêques eux-mêmes prenaient les armes pour l’empereur. Bruno de Cologne, le frère d’Otto Ier, par exemple, était titulaire du Duché de Lotharingie ainsi que de l’archevêché vital de Cologne. Pour voir l’art ottonien dans un contexte allemand, voir: Art médiéval allemand (environ 800-1250).

Salon de Paris

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Ressources Pour plus d’informations sur les académies européennes des beaux-arts, veuillez consulter:

Pop Art: Histoire, Caractéristiques

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Qu’est-ce que le Pop-Art? – Les caractéristiques Le terme Pop-Art a été inventé par le conservateur britannique Lawrence Allowayen 1955 pour décrire une nouvelle forme d’art "populaire" – un mouvement caractérisé par l’imagerie du consumérismeet de la culture populaire . Le Pop-Art a émergé à New York et à Londres au milieu des années 1950 et est devenu le style avant-gardiste dominant jusqu’à la fin des années 1960. Caractérisé par des images audacieuses, simples, de tous les jours et des couleurs de bloc vibrantes, il était intéressant de regarder et avait une sensation moderne "de la hanche". Les couleurs vives ont également permis à cette forme de art d’avant-garde souligner certains éléments de la culture contemporaine et a contribué à réduire le fossé qui sépare les arts commerciaux des beaux-arts. C’était le premier mouvement post-moderniste (où le médium est aussi important que le message) ainsi que la première école d’art reflétant le pouvoir du cinéma et de la télévision, à partir desquels nombre de ses images les plus célèbres ont acquis leur célébrité. Les sources communes de l’iconographie pop étaient les publicités, les emballages de produits de consommation, des photos de stars de cinéma, de stars de la pop et d’autres célébrités, ainsi que des bandes dessinées.

Art post-impressionniste: histoire, caractéristiques

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Qu’est-ce que le post-impressionnisme? En beaux-arts, le terme post-impressionnismedésigne la phase de art moderne au cours de laquelle les artistes ont cherché à dépasser le style d’imitation étroit Impressionnisme, tel que pratiqué par Claude Monet et ses partisans. (Pour plus, voir: Caractéristiques de la peinture impressionniste.) La phase a duré approximativement de 1880 à la fin des années 1900, bien qu’elle ait duré plus longtemps hors de France. Parmi les mouvements postimpressionnistes les plus influents figurent probablement le néo-impressionnisme , l’ expressionnismeancien, l’ art nouveauet le fauvisme , bien que l’importance de cette période réside essentiellement dans l’art pionnier de certains peintres.

Le post-impressionnisme en Allemagne (1880-1910)

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L’art allemand post-impressionniste: en bref En Allemagne, l’absence d’une forte tradition de Impressionnisme, combinée à l’absence de centre artistique dominant, a produit une forme de vie relativement douce Post-impressionnisme, comparé à la France. Certes, l’expressionniste norvégien Edvard Munch a provoqué une commotion à Berlin en 1892 avec des œuvres aussi dramatiques que Sick Child (1885–186; National Gallery, Oslo), qui résonnait dans les milieux avant-gardistes. Mais le style prédominant chez artistes modernes en Allemagne est resté Naturalisme, comme en témoignent les œuvres de Hans von Marees et de Lovis Corinth. (Voir également: Post-impressionnisme en Hollande.) Un petit nombre de peintres, comme Arnold Bocklin, né en Suisse, et Ferdinand Hodler, qui travaillait principalement en Allemagne, passèrent du naturalisme à Symbolisme, comme le montre l’ eurythmie de Hodler (1895, Kunstmuseum, Berne). Un personnage important derrière l’introduction du moderne Peinture française en Allemagne, le critique d’art Julius Meier-Graefe a fait beaucoup pour que les œuvres de Van Gogh, Gauguin et les autres Peintres post-impressionnistes attiré l’attention du public allemand. En outre, des visites d’artistes franco-allemands, telles que Alexei von Jawlenski, Paul Serusier, Maurice Denis, Jan Verkade, Paula Modersohn-Becker et d’autres, ont également contribué à faire connaître le français Peinture post-impressionniste dans le futur mouvement expressionniste en Allemagne.

Post-impressionnisme en Hollande

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Peinture hollandaise de la fin du XIXe siècle Les deux principaux centres de Post-impressionnisme en Hollande dans la seconde moitié du XIXe siècle étaient La Haye et Amsterdam. L’école de La Haye était une association informelle de peintres néerlandais actifs à La Haye au cours de la période allant de 1860-1900. Spécialisé en naturalisme – notamment peinture de paysage et paysages de plage – ils ont également produit une variété de types de peinture de genre, y compris les intérieurs d’église. Certaines de leurs œuvres avaient une pointe romantique et nostalgique – pas si différente du début du 19ème siècle Biedermeier style en Allemagne (1815-1848) ou celui de Christen Kobke (1810-1848) au Danemark. Leurs homologues immédiats en France, cependant, étaient les artistes de la École de Barbizon et plus tard le Impressionnistes. Comme eux, les membres de l’école de La Haye ont cherché à saisir les effets particuliers de la lumière et de l’atmosphère. Parmi les membres importants du groupe de La Haye figuraient Bosboom, Johannes (1817-1891), les frères Maris – Jacob (1837-1899), Matthijs (1839-1917), Willem (1844-1910) – Jozef Israels (1824-1911), Anton Mauve (1838-1888), Hendrik Willem Mesdag (1831-1915) et Johan Hendrik Weissenbruch (1824-1903), dont certains exercèrent une influence sur Van Gogh et le post-impressionniste Divisionisme italien de Giovanni Segantini.

Primitivisme, art primitif: définition, caractéristiques

26/10/2020 22 913
Définition et caractéristiques Le terme " art primitif" est une description assez vague (et inévitablement ethnocentrique) qui fait référence aux artefacts culturels des peuples "primitifs", c’est-à-dire aux groupes ethniques réputés avoir un niveau de développement technologique relativement bas par rapport aux normes occidentales.

L’art proto-Renaissance: définition, caractéristiques, histoire

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Qu’est-ce que le proto Renaissance? – Les caractéristiques En beaux-arts, le terme "Proto Renaissance" fait référence à la période antérieure à la Renaissance (environ 1300-1400) en Italie et aux activités de peintres progressistes tels que Giotto (1267-1337), pionnier de la nouvelle forme de "réalisme" figuratif, qui a été pleinement développée par les artistes à l’époque de Art de la Renaissance correct. L’art novateur de Giotto ne représente cependant pas le courant dominant européen ni même italien. Dérivé de traditions hérité de Art chrétien byzantin – qui a lui-même influencé les peintures murales de Peinture romane) – le style dit Art gothique, défendue en Italie par la ville de Sienne, entre autres, était encore le style prédominant de la peinture et de la sculpture. En fait, l’idiome gothique a survécu jusqu’au 15e siècle sous la forme d’un style appelé Gothique international, qui est devenu populaire dans de nombreuses cours royales à travers l’Europe, notamment en France, en Espagne, en Bohême et en Angleterre. La Renaissance proprement dite a commencé vers 1400 dans la ville de Florence, mais ses idéaux et ses méthodes ne sont devenus une force dominante de l’art européen qu’au milieu du XVe siècle. Les principaux types d’art pratiqués à l’époque de la Proto-Renaissance sont les suivants: fresque murale, peinture à la détrempe, enluminures de livres, sculpture en relief, orfèvrerie et autres formes de travail des métaux. La plupart des développements artistiques de la période trecento Proto-Renaissance ont eu un effet direct sur Peinture début Renaissance (c.1400-90) du quattrocento .

Pointillisme: histoire, caractéristiques

26/10/2020 5 745
Qu’est ce que le Pointillisme? – Les caractéristiques En beaux-arts, le terme "pointillisme" (du mot français "point" signifiant "point") décrit une technique de Néo-impressionnisme peinture, dans laquelle des centaines de petits points ou de tirets de couleur pure sont appliqués sur la toile, ou sur un autre fond, afin de créer un maximum de luminosité. Au lieu de mélanger pigments de couleur Sur une palette, puis en appliquant le mélange sur le tableau, le Pointillist applique de petits points de couleur pure et non mélangée directement sur la photo et s’appuie sur l’œil du spectateur pour mélanger les couleurs de manière optique. Vus à la bonne distance (supposément trois fois la diagonale), les points de couleur donnent un effet plus riche et plus subtil que celui que permettent les techniques classiques. Pointillisme (en réalité une émanation de Divisionnisme) était le style le plus influent de Peinture post-impressionniste (1880-1895) et était pratiqué par Peintres post-impressionnistes d’un certain nombre d’écoles différentes. Divisionisme italien, dirigé par Vittore Grubicy De Dragon (1851-1920), était particulièrement actif.

Peinture réaliste du XIXe siècle: histoire, caractéristiques

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Pour un guide général sur l’évolution de la peinture, de la sculpture etautres formes d’art, voir: Histoire des arts (2, 5 millions avant notre ère).

Art Rococo

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Pour une brève introduction aux aspects architecturaux de ce style artistique, voir: Architecture Rococo.

Peinture romane (c.1000-1200)

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Contexte Dans l’histoire de Art chrétien, le terme "roman" est un terme plutôt vague et principalement architectural qui a été étendu à d’autres disciplines des beaux-arts, telles que la peinture et la sculpture. Si Architecture romane est marquée par une nouvelle masse d’échelle, et Sculpture romane par un plus grand réalisme, la peinture romane se caractérise par une nouvelle formalité de style, en grande partie dépourvue du naturalisme et de l’humanisme de ses antécédents classiques ou de ses successeurs gothiques. (En termes simples: avant la finesse gothique, vient la sévérité romane.) Les dessins linéaires prédominent, produisant un calme majestueux ou, au contraire, une expressivité agitée. Le caractère décoratif du vitrail roman, des manuscrits enluminés, retable d’art et d’autres images, peut être vu comme une sorte de pont entre l’Est Art byzantin – avec son symbolique, formalisé peinture d’icônes – et occidentale Art gothique, avec sa variante courtoise de la fin du 14ème siècle connue sous le nom de Gothique international.

Peinture romane en Espagne

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Pour un guide général sur les peintures murales religieuses, voir: Art Chrétien (150-2000).

Peinture romane en Italie

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Pour un guide général sur les peintures murales d’église, voir: Art Chrétien (150-2000).

Peinture romane en France

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Pour en savoir plus sur art médiéval et la conception des bâtiments, voir: Architecture romane (environ 800-1200).

Manuscrits romans enluminés

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Série de peintures de livres médiévaux (1) Illumination de manuscrit médiéval (c.1000-1500) (2) Manuscrits romans enluminés (c.1000-1150) (3) Manuscrits enluminés gothiques (c.1150-1350) (4) Peintures de livres gothiques internationales (c.1375-1450)

Art Roman: Histoire, Caractéristiques

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ARTS ROMANES Pour plus sur lecaractéristiques de cettestyle architectural, voir:Architecture romane.Pour plus sur learts plastiques, voir:Sculpture Romane.

Romantisme: définition, caractéristiques, histoire

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Qu’est ce que le romantisme? – Les caractéristiques Malgré les premiers efforts de pionniers comme El Greco (Domenikos Theotocopoulos) (1541-1614), Adam Elsheimer (1578-1610) et Claude Lorrain (1604-82), le style que nous connaissons comme le romantisme ne prit pas de l’ampleur avant la fin du XVIIIe siècle, lorsque l’élément héroïque du néoclassicisme se vit confier un rôle central. La peinture. Cet élément héroïque, associé à l’idéalisme révolutionnaire, a donné naissance à un style romantique et émotif, qui a émergé à la suite de la Révolution française en réaction à la contrainte art académique de l’établissement artistique. Les principes du romantisme incluaient: un retour à la nature – illustré par l’accent mis sur la peinture en plein air spontanée – une croyance en la bonté de l’humanité, la promotion de la justice pour tous et une croyance forte en les sens et les émotions plutôt qu’en la raison et intellect. Les peintres et les sculpteurs romantiques avaient tendance à exprimer une réaction personnelle émotive à la vie, contrastant avec la retenue et les valeurs universelles prônées par Art néoclassique. Les architectes du 19ème siècle ont eux aussi cherché à exprimer un sens du romantisme dans la conception de leurs bâtiments: voir, par exemple, Architecture victorienne (1840-1900).

Peinture médiévale russe

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Types de peinture médiévale Jusqu’à la fin du 16ème siècle Art russe – notamment La peinture – était pratiquement limité aux sujets religieux, qui devaient en outre être décrits de la manière spécifique définie par la tradition religieuse. Celles-ci peintures religieuses ont été exécutés soit sur des panneaux de bois , appelés icônes, soit sur des murs d’église . Manuscrits enluminés étaient relativement rares en Russie et, autant que l’on sache, la plupart art de la mosaïque du Moyen Âge a été le travail d’artistes byzantins envoyés en Russie spécifiquement à cet effet. (Voir également: Art chrétien, époque byzantine.)

Art Russe: Histoire, Caractéristiques

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Art russe le plus ancien Les beaux-arts en Russie remontent à l’âge de pierre. La plus ancienne œuvre connue de l’art russe / ukrainien est la Vénus de Kostenky (environ 23 000-22 000 ans av. J.-C.), une sculpture sur os d’une figure féminine, découverte à Kostenky (Kostienki) et datant de la culture gravettienne. Un morceau similaire de sculpture préhistorique, taillé dans la roche calcaire a été découvert sur le même site. Autres objets en russe art préhistorique de l’ère gravettienne comprennent le Vénus de Gagarino (environ 20 000 AEC), le Avdeevo Venuses (environ 20 000 ans av. J.-C.), et une sculpture sur ivoire connue sous le nom de Mal’ta Venuses (20 000 avant notre ère) de près du lac Baïkal en Sibérie. L’art magdalénien en Russie est illustré par la Kapova Cave Paintings dans la réserve de Shulgan-Tash, au Bachkortostan, dans le sud de l’Oural et également Poterie du bassin de l’Amour (14 300 AEC).

Ecole de peinture siennoise dirigée par Duccio di Buoninsegna

26/10/2020 7 678
L’école d’art italien de Sienne, fondée par Guido da Siena (actif après 1250) et le Coppo di Marcovaldo (1225-1274), a prospéré à Sienne, entre les XIIIe et XVe siècles. Consacré exclusivement à Art chrétien, il a eu une influence significative sur le développement de Peinture pré-Renaissance (c.1300-1400). Pendant de nombreuses années, étant gibeline et anti-papauté, elle rivalisa avec Florence, dont elle détruisit les armées en 1260 mais, sur le plan artistique, elle fut plus conservatrice. Elle s’inspirait du style des fresques murales de Peinture romane, et étant enclin à la beauté décorative et à la grâce de Art byzantin et le Gothique international.

Symbolisme Peinture Mouvement

27/10/2020 6 625
Définition et caractéristiques Le symbolisme, mouvement de la fin du XIXe siècle Peinture post-impressionniste, a fleuri dans toute l’Europe entre 1886 et 1900 dans presque tous les domaines des arts. Apparaissant initialement dans la littérature, y compris la poésie, la philosophie et le théâtre, il s’est ensuite étendu à la musique et aux arts visuels. L’art symboliste avait des liens étroits avec le Préraphaélites et avec le romantisme, ainsi que le mouvement de l’ esthétisme. Comme tous ces mouvements, le symbolisme a été en grande partie une réaction contre le naturalisme et le réalisme, et est devenu étroitement associé à peinture mythologique de toute sorte. Là où réalistes et naturalistes cherchaient à capturer la réalité optique dans toute sa rigueur objective et se concentraient ainsi sur l’ordinaire plutôt que sur l’idéal, les symbolistes cherchaient une réalité plus profonde dans leur imagination, leurs rêves et leur inconscient. Peintres symbolistes célèbres inclus Gustave Moreau (1826-1898), Arnold Bocklin (1827-1901), Ferdinand Hodler (1853-1918), Max Klinger (1857-1920), Paul Gauguin (1848-1903), James Ensor (1860-1949), Edvard Munch (1863-1944), Odilon Redon (1840-1916), et Puvis de Chavannes. Bien que de courte durée, le mouvement eut une forte influence sur Art allemand du 19ème siècle, et un grand impact sur les artistes européens du 20ème siècle, en particulier ceux impliqués dans Les Nabis et Art Nouveau et aussi le Expressionnisme et Surréalisme mouvements. Il a également influencé des artistes comme Whistler, Giorgio de Chirico, Joan Miro, Paul Klee, Frida Kahlo et Marc Chagall. Au cours des années 1990, un certain nombre de peintres chinois – membres du Réalisme cynique mouvement à Beijing – a utilisé des motifs symbolistes pour exprimer les incertitudes politiques et sociales suscitées par la répression sur la place Tiananmen.

Synthétisme: style de peinture

27/10/2020 6 050
Peinture expressionniste avec symbolisme Le terme synthétisme décrit un style de Peinture post-impressionniste qui a été développé pendant les années 1880 par Paul Gauguin (1848-1903), Emile Schuffenecker (1851-1934), Emile Bernard (1868-1941), Louis Anquetin (1861-1932) et autres. Dans le but de rompre avec l’obsession des impressionnistes d’étudier la lumière, Gauguin chercha à développer un nouveau style de peinture basé sur des zones bidimensionnelles de pure Couleur (c’est-à-dire avec peu de zones ombrées ou n’importe quel type de modélisation 3D) et quelques lignes fortes. Les techniques du synthétisme sont illustrées dans le chef-d’œuvre de Gauguin, Vision après le sermon (1888, National Gallery of Scotland), l’un des plus grandes peintures modernes, qui décrit deux niveaux de réalité différents: le monde réel et le monde des rêves. Le terme synthétisme faisait référence à la "synthèse" de (1) formes et schémas de couleurs simplifiés, avec (2) l’idée ou le sentiment principal du sujet, afin de produire une déclaration artistique plus audacieuse. Le synthétisme est fortement associé à la Colonie d’artistes de Pont-Aven en Bretagne. Autre peintres expressionnistes basé à Pont-Aven qui pratiquait le synthétisme, comprenait Jacob Meyer de Haan (1852-1895), Charles Laval (1862-1894), Paul Sérusier (1863-1927), Charles Filiger (1863-1928) et Armand Seguin (1869-1903). Dans leur propre description de ce nouveau style de Peinture française, avec ses larges zones de couleur pure et ses contours noirs, Emile Bernard et Louis Anquetin ont préféré utiliser le nom Cloisonnisme d’après la technique médiévale cloisonnée d’émaillage.

Cubisme synthétique

27/10/2020 10 722
Introduction: Histoire et caractéristiques Après les phases de Peinture cubiste ancienne et Cubisme Analytique, troisième et dernier acte de la collaboration cubiste entre Georges Braque (1882-1963) et Pablo Picasso (1881-1973) se sont produits entre 1912 et 1414. Connu sous le nom de cubisme synthétique, ce style d’art symbolique est plus coloré que la forme analytique antérieure. Cubisme, incorpore une grande variété de matériaux étrangers, et est particulièrement associé à la nouvelle technique de Picasso collage et le papier colles de Braque. L’Espagnol Juan Gris (1887-1927) a largement contribué au nouveau style. Si le cubisme analytique fournissait une alternative picturale révolutionnaire au point unique perspective linéaire, Le cubisme synthétique était également novateur dans son utilisation des collages et des colles en papier, qui ont tous deux comblé le fossé entre la vie et l’art en insérant des morceaux du monde réel sur la toile. Ils ont également souligné le fait qu’un tableau est un objet plat en deux dimensions et estompe la frontière entre peinture et sculpture. Il a eu une influence notable sur les mouvements ultérieurs tels que Dada (c.1916-24) Surréalisme (À partir de 1924) et Pop Art (c.1960-75). Le cubisme synthétique de Picasso a coïncidé avec son déménagement de Monmartre de Bohême à Montparnasse et s’est achevé avec le déclenchement de la guerre à l’automne 1914, peu après quoi Braque partit se battre et Daniel-Henry Kahnweiler (le principal marchand d’art du duo) s’est enfui en Suisse. En tant que neutre espagnol, Picasso était libre de continuer sa carrière de peintre à Paris. En temps voulu, il était représenté par Paul Rosenberg (1881-1959), frère cadet du marchand cubiste Léonce Rosenberg (1879-1947).

Synchromisme: Style de peinture abstrait

27/10/2020 4 525
Qu’est-ce que le synchromisme? Dans art moderne, le terme "synchromisme" désigne un style de La peinture lancé à Paris en 1913 par deux peintres américains, Morgan Russell (1886-1953) et Stanton MacDonald-Wright (1890-1973). Similaire au style français de Orphisme, Le synchromisme était une forme de art abstrait, dans lequel Couleur s’est vu attribuer le rôle principal en tant que source de forme et d’expression. Des expositions synchromistes ont eu lieu en 1913 à Paris et à Munich, ainsi qu’à New York, dans le sillage de la célèbre Exposition internationale d’art moderne (autrement connu sous le nom de Spectacle d’arsenal). Le style synchromiste de Art américain fut également adopté par le peintre du centre-ouest Thomas Hart Benton (1889-1975), avant de passer au régionalisme dans les années 1920. Initialement salué comme l’un des prochains mouvements d’art abstrait pendant la Première Guerre mondiale, il a fait long feu, bien que ses fondateurs aient conservé la réputation d’être à la pointe de la artistes modernes au début du 20ème siècle. À la fin de la guerre, un nouveau style austère et géométrique de art non objectif – illustré par le De Stijl mouvement, fondé par Theo Van Doesburg (1883-1931), et Néo-plasticisme créé par Piet Mondrian (1872-1944) – aurait préséance sur le synchromisme (et l’orphisme) en Europe, tandis que le réalisme s’imposerait en Amérique.

Réalisme socialiste, art politique

27/10/2020 7 035
Les caractéristiques Le réalisme socialiste fait référence à toute peinture ou sculpture, créée dans un style réaliste, qui contient un message socialiste. Parfois appelé art communiste, ce type de politique peinture réaliste est le mieux illustré par le style de Art russe qui a été introduit à la fin des années 1920 / début des années 1930, à l’époque stalinienne, et qui est devenu obligatoire pour tous les artistes. La peinture et la sculpture socialistes réalistes ontété un élément clé de la campagne de propagande communiste en cours à destination des citoyens de l’Union soviétique (URSS). Conçu pour attirer un public de masse, il a pour but de lui inspirer de l’admiration pour les citoyens qui travaillent dur pour construire une société communiste. L’ idéalisation héroïque de l’ouvrierétait son leitmotif, mais ses images étaient caractérisées par une forme de le réalisme, peint dans des couleurs vives. Les sculptures socialistes réalistes sont généralement des pièces monumentales fortement figuratives. Cependant, les affiches étaient de loin la forme d’art réaliste socialiste la plus populaire et la plus répandue . Une grande partie de cette activité d’agitprop a été dirigée par Andrei Zhdanov (1896-1948), chef de la culture de Staline. D’autres pays totalitaires (par exemple l’Albanie, la Chine et la Corée du Nord) ont poursuivi des objectifs similaires. esthétique, tout comme l’Allemagne nazie. Art nazi par exemple, produit sous Joseph Goebbels, a promu l’idéologie nationale-socialiste, comme en témoignent les affiches antisémites dégoûtantes de Hans Schweitzer (Mjolnir) (1901-1980) et les puissants films et photos de propagande Leni Riefenstahl (1902-2003).

Le réalisme social dans l’art: histoire, caractéristiques

27/10/2020 4 665
Qu’est-ce que le réalisme social? Dans art moderne, l’expression "réalisme social" est traditionnellement associée à l’entre-deux-guerres Art américain, qui commentait les conditions sociales, économiques et politiques qui prévalaient pendant la période de la dépression. Incarné dans le travail de Ben Shahn (1898-1969), le réalisme social américain était l’un des deux mouvements d’art moderne avec un personnage de gauche – l’autre étant le réalisme socialiste d’inspiration soviétique. Il a évolué à partir de la première Ashcan mouvement d’art urbain, dirigé par Robert Henri (1865-1929). Plus important encore, il a été renforcé par le Federal Art Project (1935-1943), programme de promotion de l’art publique, qui a promu le rôle de l’artiste au sein de la société. À son apogée, le Federal Art Project employait plus de cinq mille artistes modernes impliqué dans art de l’affiche et gravure aussi bien que artisanat et La peinture. La décoration des bâtiments publics faisait partie intégrante du programme et comprenait également un Index of American Design, un vaste document écrit de art décoratif en Amérique. Autres mouvements réalistes de l’entre-deux-guerres inclus Peinture de scène américaine et son rejeton Régionalisme.

Peinture médiévale: peintres gothiques du moyen âge

26/10/2020 12 725
EVOLUTION DE L’ARTPour l’histoire de la peinture, voir: Histoire des arts (800 avant notre ère).Pour plus de détails, voir:Chronologie de l’histoire de l’art.Pour des styles spécifiques, voir:Mouvements d’art.

Art médiéval: l’artisanat chrétien au moyen âge

16/08/2022 13 891
Pour un guide général sur l’évolution de la peinture, de la sculpture etautres formes d’art, voir: Histoire des arts (2, 5 millions avant notre ère).

Artistes Médiévaux: Sculpteurs, Peintres, Orfèvres du Moyen Age

01/02/2020 12 785
introduction Bien que l’histoire de Art médiéval Couvrant près de dix siècles entre le sac de Rome (450 av. J.-C.) et la première renaissance italienne (1400), l’art médiéval occidental se limite à la culture byzantine (empire romain oriental), à l’art insulaire hiberno-saxon, aux œuvres des cours royales de Charlemagne et ses successeurs ottoniens, et enfin – à partir d’environ 1 000 personnes – les mouvements de Art chrétien, connu comme roman et gothique. Ce n’est qu’au cours des 400 dernières années que les noms individuels de peintres, sculpteurs et autres artistes décorateurs ont commencé à être enregistrés avec une régularité quelconque. Ainsi, la plupart de nos artistes datent de cette période.

Suprematism: le mouvement russe d’art abstrait

26/03/2019 4 316
Pour en savoir plus sur les mouvements de peinture en Russie, s’il te plait regarde: Art russe.

Mouvement artistique du surréalisme

27/10/2020 30 108
Qu’est-ce que le surréalisme? – Les caractéristiques Le surréalisme était "le" mouvement artistique à la mode des années de l’entre-deux-guerres, et le dernier grand mouvement d’art associé à la Ecole de Paris, d’où il s’est répandu à travers l’Europe, devenant l’une des écoles ou styles de musique les plus influents art d’avant-garde. Son nom provient de l’expression Drame surréaliste, sous-titre d’une pièce de théâtre de 1917 de l’écrivain et critique d’art Guillaume Apollinaire (1880-1918). Le surréalisme est issu de "l’anti-art" nihiliste Dada mouvement, dont la plupart des membres sont devenus surréalistes. Cependant, tout en étant "révolutionnaire" en tant que Dada, le surréalisme était moins ouvertement politique et prônait une philosophie plus positive – résumée par André Breton comme "une pensée exprimée en l’absence de tout contrôle exercé par la raison et en dehors de toute considération morale et esthétique. "

Tachisme, Art Informel: Histoire, Caractéristiques

27/10/2020 4 119
Une sous-variante du plus large Art Informel style – l’un des plus importants mouvements d’art moderne en Europe après la seconde guerre mondiale – le tachisme était une forme de tache peinture gestuelle, une variante européenne de " peinture d’action. "

Peinture de couleurs du Titien et de Venise

27/10/2020 15 239
introduction ’Michelangelo pour la forme et Titien pour la couleur’: cette dichotomie bien usée, qui trouve son origine dans cinquecento elle-même, a récemment été bouleversée par la découverte, à la suite d’un nettoyage, de la brillance et de la subtilité des couleurs chez Michelangelo Fresques de la chapelle Sixtine; et personne qui a vu la splendeur de couleurs bigarrées du début du XVIe siècle florentine Haute renaissance Dans les expositions des Médicis de 1980, les peintures pourraient mettre en doute l’importance de la couleur, ou du moins de la couleur, pour les artistes italiens centraux. Si cette exposition était florentine plutôt que Peinture vénitienne les couleurs seraient plus vives, plus colorées et tout à fait plus éclatantes que ce que nous voyons devant nous. Pourquoi alors l’importance accordée, à partir de Vasari, à la couleur vénitienne?

Trecento, Art Italien du XIVème siècle

27/10/2020 6 521
Quelle est la signification de Trecento Le terme " trecento " (italien pour "trois cents") est l’abréviation de " milletrecento " ("treize cents"), ce qui signifie le XIVe siècle. Une période très créative, elle a vu l’émergence de Peinture pré-Renaissance, ainsi que la sculpture et l’architecture au cours de la période 1300-1400. En fait, puisque le trecento coïncide avec le mouvement pré-Renaissance, le terme est souvent utilisé comme synonyme de Art proto-renaissance – c’est le pont entre le moyen-âge Art gothique et le Début de la renaissance. Le siècle suivant (1400-1500) est connu sous le nom de quattrocento et celle qui suit (1500-1600) est connue sous le nom de cinquecento .

Académie Française des Beaux-Arts: Histoire, Controverse de Salon

25/10/2020 9 384
Pour un guide général sur l’évolution de la peinture, de la sculpture etautres formes d’art, voir: Histoire des arts (2, 5 millions avant notre ère).

Meubles français, meubles antiques (1640-1792)

25/10/2020 67 175
Chronologie du mobilier françaisLouis Quatorze XIV (1643-1715) Régence (1715-23) Louis Quinze XV (1723-74) Louis Seize XVI (1774-1792).

Peintres post-impressionnistes en France: (1880-1930)

26/10/2020 12 194
L’étiquette Post-impressionnisme n’a jamais été utilisé par les post-impressionnistes. Il a été inventé en 1910 par Roger Fry quand il a organisé à Londres une exposition intitulée Manet et les post-impressionnistes. Cezanne , Gauguinet Van Goghétaient les artistes centraux de ce spectacle puisque, selon Fry, ils étaient les trois grands peintres qui s’étaient retournés contre l’impressionnisme à la recherche de quelque chose qui dépasse la peinture naturaliste. Manet a été inclus en tant que leur prédécesseur dans cette quête. Parmi les autres post-impressionnistes importants en France, citons: Pierre Bonnard, André Derain, Matisse, Picasso, Henri Rousseau, Georges Seurat, Paul Signac et Toulouse-Lautrec, entre autres. Plusieurs de ces peintres ont bénéficié du soutien du marchand et collectionneur d’art Ambroise Vollard (1866-1939).

Artistes baroques français

25/10/2020 10 932
Le mouvement baroque Le style grandiose, inspirant et populiste de Art baroque englobait l’architecture, la sculpture et la peinture et était essentiellement inspiré par l’agenda revivaliste de l’Église catholique romaine pour améliorer son image à la suite de la révolte protestante du début du XVIe siècle. Il était cependant basé à Rome, qui restait le centre de l’art européen (et mondial). Des pays comme l’Angleterre, l’Allemagne et la France se trouvaient donc à la périphérie de la théorie et de la pratique de l’art baroque. Par exemple, deux des plus grands peintres baroques de France, le classiciste Nicolas Poussin (1594-1665) et l’artiste paysagiste italianisant Claude Lorrain (1600-1682) a choisi de passer la plus grande partie de sa vie active en Italie. Néanmoins, l’architecture baroque est restée un élément clé pour aider à renforcer l’absolutisme des monarques régnants, comme le roi français Louis XIV, tandis que les sculpteurs et les peintres français adoptaient le style baroque avec enthousiasme.

Art Décoratif Français (1640-1792)

25/10/2020 33 995
Série Arts Décoratifs en France (1) Arts décoratifs français (1640-1792) (2) Décorateurs Français (3) Meubles royaux français

Peintres et artistes du XXe siècle

28/10/2019 27 354
CONTENU introduction Le 20ème siècle a été la scène pour certains des plus grands artistes modernes dans l’histoire. À l’exception de l’impressionnisme, il a été témoin de tous les mouvements influents de art moderne (modernisme), plus les styles plus fragmentés de art contemporain (postmodernisme). Du colorisme le plus vif (fauvisme, expressionnisme) à la peinture intellectuelle révolutionnaire (cubisme, constructivisme) et à l’art politique ( Entartete Kunst, réalisme socialiste), cette période a donné lieu à une profusion d’écoles, de théories et d’esthétiques. Bien que le nombre de peintres abstraits ait considérablement augmenté à partir de la fin des années 1900 – sous la forme de cubistes, de suprématistes, du mouvement De Stijl, d’expressionnisme abstrait et de minimalistes, les artistes figuratifs ont continué à développer de nouvelles techniques et méthodes. La peinture murale a connu une renaissance au Mexique; les paysages urbains et sociaux étaient au centre de l’école Ashcan, des réalistes sociaux, des précisionnistes et des graffeurs; tandis que les surréalistes, la London School et les photoréalistes ont tous cherché à exprimer leur propre forme de figuration. Et bien sûr, il y avait les dadaïstes anti-art pour défier toutes les esthétiques conventionnelles!

Cinquecento: l’art italien du XVIe siècle

25/10/2020 7 833
Ressources supplémentaires Quelle est la signification de Cinquecento Le mot "cinquecento" (italien pour "cinq cents") – une abréviation pour "millecinquecento" (italien pour "quinze cents") – est utilisé dans le histoire des arts comme une description du XVIe siècle en Italie. Traditionnellement, il englobe des activités culturelles dans les domaines de l’architecture, de la peinture et de la sculpture italiennes au cours de la période allant de 1500 à 1600. Le cinquecento a assisté à la pleine floraison de Art de la haute renaissance – à Rome, à Venise et dans une moindre mesure à Florence – ainsi que les activités connexes Maniérisme mouvement qui a suivi. On peut donc dire que cela représente le défunt Renaissance italienne. (Remarque: le mot "Renaissance", utilisé pour décrire la renaissance culturelle de l’Europe au cours de la période 1400-1600, a été inventé pour la première fois par l’historien français Jules Michelet.) Les trois premières décennies du seizième siècle ont vu le zénith de Art de la Renaissance. Ce point culminant artistique était principalement sur le Renaissance à Rome coïncidant avec les ambitions papales de restaurer la ville à sa juste place en tant que centre principal de art et culture en Italie. En effet, Pape julius ii (1503-13), le pape Léon X (1513-21) et Clément VII (1523-34) ont tant dépensé pour commander aux plus grands peintres, sculpteurs et architectes du cinquecento le soin d’embellir et de décorer le Vatican, ainsi que la ville de Rome, qu’ils ont presque failli à l’église. En outre, leurs tentatives zélées de collecter des fonds auprès de congrégations de toute l’Europe ont été une cause importante de la rébellion protestante. Pour plus de détails, voir: Art de la contre-réforme catholique. Le cinquecento a également vu le sac de Rome (1527), qui a provoqué un grand chaos et de grands bouleversements, ainsi que la montée de Peinture vénitienne sous Titien (c.1488-1576), Tintoret (1518-1594) et Paolo Veronese (1528-1588).

Bauhaus Design School: Histoire, Enseignants

25/10/2020 17 788
introduction Bauhaus, le mot allemand pour "maison de construction", désigne le Staatliches Bauhaus , une école de design allemande fondée à Weimar par Walter Gropius (1883-1969) qui a fonctionné de 1919 à 1933 et qui enseignait une fusion de art et artisanat. Il est devenu réputé pour son approche moderniste de l’éducation artistique, qui a mis fin à la division traditionnelle entre les arts "fins" et "appliqués" et redéfini la relation entre l’art, conception et techniques de fabrication industrielle. Selon Gropius, sa mission consistait notamment à concevoir et à créer le nouveau bâtiment du futur, combinant architecture, sculpture et peinture sous une forme unique, ce qui nécessitait l’enseignement d’une nouvelle guilde d’artisans sans distinction de classe entre les artisans et les artisans. artistes. En bref, le Bauhaus a formé les étudiants à maîtriser le design, l’artisanat et les méthodes de production en série.

Expressionnisme dans l’art

25/10/2020 9 655
Qu’est-ce que l’art expressionniste? – Les caractéristiques L’expressionisme est une forme d’art extrêmement personnelle. L’artiste expressionniste s’efforce de transmettre ses sentiments personnels à propos de l’objet peint, plutôt que d’enregistrer simplement son observation. Ainsi, afin d’obtenir un impact maximal sur le spectateur, la précision de la représentation est sacrifiée (déformée) au profit de (par exemple) des contours forts et des couleurs vives. Les compositions ont tendance à être plus simples et directes, et sont souvent caractérisées par une peinture en pâte épaisse épaisse, des traits lâches appliqués librement et des symbolisme. Le message est primordial.

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